Resulta por demás curioso el hecho de que, sin ser precisamente alérgica a la estética y la gestualidad del cine mudo-(y no soy la única, a juzgar por la acogida crítica a The artist, sea sólo por lo exótico de la propuesta en tiempos infográficos) las únicas imágenes almacenadas en mi memoria sobre Metrópolis , la obra cumbre silente de Fritz Lang, estén incluidas en un videoclip de Queen.
Pero ahí está la gracia- el no ser capaz de separar el nacimiento de la criatura robótica de los compases del “Love Kills” y la voz del nunca bastante llorado Freddie Mercury no es sino un ejemplo más del surrealista y extraordinario destino de esta distopía de los locos 20. Y no me refiero sólo a los múltiples intentos de restauración o recuperación del metraje original, o que unos de sus reestrenos tuviera una banda sonora ochentera, sino que la sola visión del fotograma geométricamente impactante de la creación de la mujer artificial fuera capaz de inspirar al Dios Padre del manga Osamu Tezuka para crear su propia historieta….y el que, al filo del siglo XXI, se contara con el guión del mismísimo Katsuhiro Otomo para adaptar el tebeo tezukiano enlazándolo en lo posible con el original germano y convertirla, de nuevo, en largometraje, esta vez animado.

No hay más que echar el ojo a este Metropolis versión anime para apreciar la labor de homenaje-declaración de amor a los originales en todos los sentidos. No en vano se puso al mando del proyecto otro animador clásico, Rintaro, el papá del capitán Harlock, veterano que había cambiado los dientes de leche artísticos como miembro del estudio de Tezuka – en la versión televisada de Astro boy, nada menos. El respeto escrupuloso al tierno y redondeado estilo Tezuka, tan inspirado por el Fleisher de Popeye y la Betty Boop, o el Disney de las Sinfonías tontas-y que tanto puede chocar con los gustos del paisanaje actual-salta a la vista en cuanto nuestros personajes comienzan a compartir plano.

Una monada demodé-que combina a la perfección, en líneas generales, con el aspecto retrofuturista que se pretende reproducir en el film, un homenaje art decó a los imponentes decorados del film mudo original y al urbanismo desaforado de los años de entreguerras, con Nueva York como referencia y la música de jazz como fondo musical constante. No en vano es la megalópolis del título la auténtica protagonista de la función. Su centro geográfico y logro supremo-sacado estilísticamente de Lang-es el zigurat, edificio colosal y metáfora desarrollada a lo largo de la historia que se nos cuenta- la Torre de Babel, el edificio del orgullo desmedido, el símbolo del futuro inmediato que aguardaba a una población industrializada, alienante y materialmente engullida por las super-ciudades.Y aquí es donde se aprecia la manita guionística de don Katsuhiro Otomo, el creador de otra Babilonia desquiciada y caníbal como fue la Neo-Tokio de su ” Akira”. A Otomo se le nota en su salsa, porque cualquier delirio urbanístico imaginado tras el pepinazo de la Primera Guerra Mundial era ya más que una realidad atiborrada en los años 80, cuando al batiburrillo rebosante se le había añadido, además, la posibilidad del desastre nuclear para animar todavía más el cotarro. Eso sí, por lo menos el leviatán que es Metropolis resulta tan espectacular como sólo podía serlo el futuro imaginado en los años 20 y 30.

Los desbarres modernistas de Metropolis…o al menos, la parte más brillante y reluciente

Metropolis, versión Rintaro-Otomo es una plutocracia donde tras las autoridades políticas y militares se esconde la figura del poder en la sombra o magnate mangante, Duke Red, un personaje que ya Tezuka caricaturizaba como mezcla de cacatúa y ave de presa y que controla los destinos de la ciudad a golpe de propaganda, derroches arquitectónicos y una especie de juventudes parafascistas-hitlerianas, los Marduks, que financia “extraoficialmente” y están encargados de mantener el orden-apartheid entre los distintos niveles de la ciudad. Comienza la acción cuando las fuerzas vivas de Metrópolis celebran en total estilo Hollywood la inauguración del ya mencionado Zigurat entre el publicitado regocijo popular, fuegos de artificio y mucha consigna enaltecedora. Los rumores de descontento entre las clases inferiores y los problemas que está ocasionando la preeminencia de la mano de obra robotizada tampoco disimulan que las subsodichas fuerzas rectoras no son más que un grupo de chacales en alianza precaria y más que dispuestos a despedazarse entre ellos a la menor oportunidad.

Los fastos y tracas celebratorias del estreno mundial del Zigurat-nada mejor que un festival de fuegos artificiales para darse puñaladas traperas con discreción

Rock quiere un papi, Duke Red sólo quiere un sicario-el drama está servido

El cacique Red parace confromarse-por el momento-con ser la fuerza detrás del trono-posiblemente, porque el trono real y auténtico está camuflado en el nuevo edificio-Zigurat, y Red ya tiene en mente quién, o qué- está destinado a ocuparlo-(y no se trata precisamente de su mismísima persona), aunque para ello tenga que contar con la colaboración del doctor loco de guardia, o de las iras adolescentes y fanáticas de Rock, niñato que lidera sus fuerzas de choque y se considera su hijo-lo quiera el Jefe o no. Tezuka no tenía problemas en emplear personajes recurrentes en diferentes historias y circunstacias para poblar sus mangas juveniles. A Rock, sus aires macarras, falta de escrúpulos e inseparables gafas de sol, Tezuka terminó por convertirlo en el antagonista-rival por excelencia del héroe idealista de sus historietas. En Metrópolis, Rock es un fanático de gatillo fácil, humano supremacista que aborrece a los robots y vive obsesionado por el reconocimiento “paterno” de su líder, que lo recogió cuando era un huerfanito de guerra. Los tornillos-con perdón- que va perdiendo por el camino en esta película tienen un orígen muy sentimental-celucos, y una causa de peso-su idolatrado Líder está haciéndose construir en secreto al ser último, el superhumano definitivo destinado a ocupar el trono… un robot de última generación fabricado a imagen de su hijita perdida. Lo de ser suplantado en el aprecio “paterno” por un muñeco es algo que a Rock le despierta todos los instintos asesinos, mientras que al doctor loco Laughton al que Red ha encargado construir al ser definitivo le siguen la pista desde Japón y con orden de arresto internacional por tráfico de órganos dos héroes habituales tekuzianos, el detective bigotudo Sunshaku ban , el aparentemente despistado pero siempre perseverante puño de la ley….y su sobrino Kenichi.

Los inocentes en el extranjero-Kenichi, su tío, y Pero, el robot guía-sabueso

A Kenichi Shikishima, el primer héroe juvenil recurrente diseñado por el entonces estudiante Tezuka, y al éxito que tuvo su primera aventura, La nueva Isla del tesoro, casi podríamos decir que le debemos el despegue del manga tal y como lo conocemos. Ahí es nada. (También le debemos, ya más crecido, en la versión Tezuka del Mundo perdido y gracias a la aplicación en plan Mogambo de la censura de entonces, uno de los diálogos más descacharrantes de la historia del manga, pero esa es otra historia). Kenichi fue el Tintín-boy scout modelo para la infancia japonesa de la postguerra y en este versión de Metrópolis, representa ante todo,el candor infantil y los buenos modales. Mientras las clases altas desprecian a la mano de obra robótica y el proletariado la aborrece debido a las leyes de mercado y la competencia por ser mano de obra barata, lo primero que Kenichi hace al conocer al ayudante robótico asignado a su tío es tenderle educadamente la mano y considerar su número de identificación lo suficientemente significativo como para memorizarlo enterito, ante el asombro del interesado. Kenichi y el tío Shunshaku nos servirán de ojos para desentrañar el intrincado funcionamiento de Metróplis y lo que se esconde detrás de su brillante niquelado-desde los suburbios de la Zona 1, donde se apiñan los desesperados, indeseables y revolucionarios de diverso pelaje, hasta-bloqueados tras pases y control riguroso- los lugares subterráneos donde sólo un robot puede aguantar la jornada laboral completa. En el Nivel 1, en un laboratorio a lo James Whale camuflado, el destino interviene para que, de forma algo precipitada y caótica, la criatura superpoderosa que el Doctor Laughton abra los ojitos muy fritzlangianamente.

Y toma candela, Elsa Lanchester!

De casualidad tan afortunada que lo primero que ven esos ojitos es a Kenichi, que se ha separado accidentalmente de su tío mientras el laboratorio secreto estalla en pedazos. La criatura es una querubínica niña rubia llamada Tima que durante la primera parte de su metraje, seguirá e imitará a Kenichi tan dócilmente como un polluelo a su mamá pato. Mientras Tima intenta asimilar conceptos tan peliagudos como identidad, lenguaje, adaptación al entorno y relaciones personales, es la misión del devoto Kenichi ocuparse de su nueva amiguita con la mayor naturalidad del mundo mientras la criatura mecánica se “actualiza” periódicamente de modo discreto. Algo tremendamente complicado cuando Rock y sus marduks están empeñados en darle caza incansablemente, los proles de Metroóolis preparan su revuelta y tanto Duke Red como sus rivales en la cúpula de mando se aprestan a utilizar el creciente sentimiento anti-robot para sus propios fines. Mayormente, acabar unos con otros.

Tima “quién soy yo” aprende a velocidad de vértigo, pero conseguir una personalidad va ser más duro de lo que parece

Para no llamar a engaño, este versión de metrópolis no insiste demasiado en la épica política o el drama social-con robots y todo. Lo que se hereda de Tezuka es el gusto por la aventura fantacientífica, la parábola tierna a lo Eduardo Manostijeras y la quincuagésima vuelta de tuerca de la historia de Astroboy, en este caso, Pinocha, la niña que creía ser de verdad. Y en este punto coincide con el guionista Otomo (seguidor incluso antes de su Akira de las advertencias del propio Osamu Tezuka acerca de la intolerancia, la degradación del ser humano y el peligro del avance científico sin freno-) en la descripción del acoso implacable y el acorralamiento de un desvalido superpoderoso, la capacidad deshumanizadora de las megalópolis y en mostrar cómo la ambición, el militarismo o la corrupción política y el desarrollo técnico ilimitados se arriesgan a jugar con fuerzas que no pueden acabar de controlar o comprender…como ocurre con el experimento número 28, Akira, o la seráfica Tima, el ser perfecto, para encabezarse derechitos a la catástrofe. O dada la importancia que se da en Metrópolis a la metáfora de la torre de Babel, al castigo divino a tanta soberbia. No hay nada con lo que Otomo disfrute más que con un tantico de fuego purificador. La misma imágen alegórica de Tima “actualizando programa” recargando las pilas y transfigurándose al sol entre palomos virtuales y paseantes extasiados es tal mismo tiempo tan desasosegante como esperanzadora. Tima es un enviado-pero ¿de qué?

Angelitos al cielo. Mucho rayo de sol, pero esto no es una película de Marisol.

Lo más destacable de esta Metrópolis del 2001 se encuentra en los detalles que a primera vista puedan parecer más chocantes- desde la cuidadosa conservación del diseño de personajes a lo Tezuka al swing jazzístico como acompañamiento musical machacante (Tima va siempre acompañada de un pequeño transistor rojo como ventana al mundo) que llega incluso a combinarse con los ruidos ambiente en la delirante escena que incluye a un equipo de robots de emergencia apagando el incendio del laboratorio no tan secreto- chifladura que parece salida de los payasos de Dumbo. O la obsesión con los decorados opresivos-la ciudad lo envuelve todo enanizando y ahogando a la población amontonada de un modo tan opresivo que los tugurios de la zona 1, por ejemplo, apenas reciben ya la luz del sol. La imponente mole de rascacielos que incluye la sombra amenazante del nuevo Zigurat lo invade todo y los árboles no dejan ver el bosque . El brillo plateado y dorado de la zona alta cambia a terrosidases chillonas cuando se desciende de niveles, hasta llegar al Hades del nivel 3. La saturación de los diferentes tipos de laboratorios-el modelo ARTESANAL del doctor Laughton, las torres de control a la última del zigurat, y el delirio cyber punk total de su sala del trono, donde tiene lugar la apoteosis final a lo Otomo que todos esperábamos-¿Que fan de Akira no sufre una horrenda sensación de deja vu viendo a Tima cumplir con su destino, recordando la célebre viñeta de Akira entronizado y vestidito de niño emperador-marioneta de Neo Tokio, o recuerda la pesadilla nueva carne en la que termina asfixiado el anihéroe Tesuo Shima?

Agobio. Mucho agobio.

“Lo que intenté expresar en mis obras se puede resumir en el siguiente mensaje: amad a todas las criaturas, amad a todo ser vivo!”-Dijo Osamu Tezuka. Al homenaje que se le dedica en Metropolis se le perdonan sus ocasionales lapsus de caida en el barullo o sus líneas argumentales para las que no se encuentra tiempo suficiente gracias a la aplicación primorosa de las máximas del maestro. Nadie que haya visto Metropolis podrá evitar el asociarla para siempre con el “I cant stop loving you” de Ray Charles. Todo por haber comprendido junto a kenichi el significado literal de quedarse con el corazón en un puño.

Those happy hours that we once knew
Tho’ long ago, they still make me blue
They say that time heals a broken heart
But time has stood still since we’ve been apart

Lo que son las cosas-ya ni recordaba cuánto me había impresionado La princesa Mononoke (1997), el mascarón de proa de Hayao Miyazaki y su estudio Ghibli, hasta que la revisión de turno me permitió comprobar la cantidad de imágenes que “se me habían quedado grabadas” -todo un mérito para alguien con la memoria visual de un carpín dorado. El mismo poster japonés ya es todo un icono. La chica de película-que ni es princesa ni se llama Mononoke-mirando desafiante, faca albaceteña en ristre, los morritos ensangrentados y, junto a ella, un pedazo de lobo blanco capaz de dejar a los huargos de Juego de tronos-especialmente los chuchis de la serie-temblando de pavor como patéticos chihuahuas.
Ideal como emblema de girl-powah animado, creo yo. Y justo por la misma época en la que la Mulan de Disney se cortaba la melena y partía a hacer la mili para salvar China-y, de paso, saltar la Gran muralla y cortejar para la Company al coloso asiático. Resalto a Mulan y lo de la época porque, en operación inversa, fue la por aquel entonces filial adulta de la Disney, Miramax, la encargada de introducir Mononoke Hime en el otro gigante inasaltable e impermeable, el mercado americano, con resultados decepcionantes para un film que costó un riñón o dos.
Y resalto esto tan espinoso y ambiguo del “girl power”. Si Mulan desató controversia por realizarse como mujer disfrazándose de chico…¿Qué pensará la correctez política de la Princesa Mononoke, la niña que quería ser un lobo?

Viene a cuento el asunto porque si el tema por excelencia de Mononoke es la ausencia de la armonía y la disrupción del orden natural de las cosas, lo más curioso de la historia es que, por una vez, las encarnaciones del tal conflicto-que no es un simple drama de gineceo, sino una alteración del equilibrio del mundo- son dos arrojadas mujeres… y la voz de la cordura zen y el encargado del-muy desagradecido-papel de mediador nato que simpatiza con las dos partes y sólo quiere lo mejor para todos sea el protagonista masculino, el valiente Ashitaka.

Ashitaka el arquero es un príncipe Emishi, al parecer una cultura aborigen japonesa que al comenzar la historia lleva 500 años oculta y separada de la organización imperial. Como futuro líder, es su tarea acabar con un terrorífico jabalí-demonio del tamaño de un panzer y cubierto de gusanos viscosos que estaba a punto de arrasar su aldea, pero en la refriega, el brazo de nuestro héroe queda herido e infectado por el odio asesino del monstruo. Marcado por la maldición cual Larry Talbot y destinado a morir consumido por ella entre dolores atroces a medida que se extienda por su cuerpo, Ashitaka abandona para siempre a los suyos y por consejo de la chamán de su aldea, decide aceptar su destino “con el alma vaciada de odio” y marchar al oeste para averiguar el orígen de la misteriosa “bola de hierro” alojada en el cuerpo del dios jabalí que enloqueció a la bestia hasta convertirla en un demonio sediento de sangre. Por supuesto que estar maldito tiene también sus pequeñas ventajas-dejarse llevar por la ira refuerza y acelera la labor destructora de la infección, pero otorga a Ashitaka superpoderes cg- gusaniles tan efectivos como vistosillos cuando a nuestro mocín le toca vender cara su piel.

A la película no le tiembla el pulso a la hora de mostrar decapitaciones y mutilaciones surtidas. Ashitaka su arco y sus gusarapos tienen mucho que ver en ellas.

La historia de héroe marcado y desterrado, de fuerzas naturales y animalazos primigenios adorados como dioses no puede tener, como vemos, un resabio más mítico-arcaico-arcádico. A lomos de Yakul, su brioso ciervo-antílope-lo que sea, Ashitaka va a toparse con la modernidad en lucha constante con el mundo intemporal. Modernidad que viene en forma de atareados lugareños, acosados tanto por samurais de rapiña a las órdenes del señor feudal de turno-nunca puede faltar un noble que robe más de la cuenta, diría muñoz seca-como por los señores y dioses del bosque. Entre ellos, una manada de lobazos níveos tamaño percherón, una mamá lobo tres veces mayor que su camada, y San, su hija adoptiva humana. La entrada de la fiera de mi niña en la vida de Ashitaka, lamiendo y sorbiendo la sangre de las heridas de mamá lobo con gesto de echar un muerdo al primero que se acerque es lo más definitorio que he visto desde que Galdós introdujera a su Fortunata engullendo la yema de un huevo crudo.

GRRRRR- I´m a woman, hear me roar

Esta dulce criatura es, Kami nos valga, la chica de la función. Ashitaka la encuantra preciosa. Ella, sencillamente, ni siquiera se considera humana, sino loba y, efectivamente, no hay casi ninguna reacción convencional en esta animalizada chiquilla. Incluso sus gestos tiernos-lamer heridas o, en su acto más memorable, desgarrar masticar cecina para alimentar boca a boca a un Ashitaka moribundo-son lo más indomable posible, dentro de lo que cabe. Por otra parte, Miyazaki acentúa la condición de “ni carne ni pescado” de San evitando la mogwlización completa de su criatura-es bípeda, va vestida -camuflada con pieles de lobo, lleva tatuajes faciales como los del clan Inuzuka de “Naruto” y una máscara de combate que ni el Jason de Crystal lake. San es ante todo, una jovencita airada y enfurecida contra los humanos depredadores y usurpadores. Para los lugareños es la “princesa Mononoke”, el espíritu vengador del bosque y la montaña, y para la sabia diosa Lobo Moro, su querida hijita fea. La causa de la furia de San es la bruja malvada del cuento, lady Eboshi, el personaje más intrigante-en el doble sentido- de la película.

Donde pone el ojo, pone la bala.

Lady Eboshi, villana con iniciativa y visión de futuro-una mezcla entre Virgen Juramentada, Mujer Terible en la Ira y Seño Asesina muy al estilo de las féminas formidables de Hiromu Arakawa o la Tsubasa Nishikiori del Mazinger Z, representa la falta de escrúpulos y voracidad ilimitada de la humanidad civilizada. Tolkien la odiaría, mismamente, porque nuestra doña Bárbara nipona sería capaz, ella solita, de llevar a cabo la destrucción de la idílica Comarca Hobbit para montarse la primera revolución industrial. De hecho, Lady Eboshi está arrasando la montaña y los bosques ancestrales en beneficio propio y de su Ciudad de Hierro, aldea-fundición que controla con garras de seda sin que nadie ose ni toserla, sin encomendarse a los dioses o a los demonios, y sin ceder al odio de las fuerzas ancestrales del bosque ni al chantaje inevitable del señor feudal del distrito, que emplea a sus samurais para acosarla. Eboshi es, en suma, la personificación de todo lo que nuestra Hija de Lobos San aborrece y ha jurado matar. Ashitaka no es tan rápido en el “que el cielo la juzgue” porque, implacable como es, la señora ha comprado los contratos de los burdeles de la zona, liberado a las furciucas locales, y las ha convertido en sus trabajadoras especializadas. Lo que es más, Eboshi ha acogido en su jardín, atendido e incorporado en sus fuerzas operarias especiales a los leprosos del lugar y diseñando con ellos mosquetes ligeros, ha convertido a sus chicas en tiradoras de élite. Y todo ello mientras los rosmones hombres del poblado se dedican al transporte de hierro o de provisiones y a ser cebo viviente de lobos o samurais, según caiga el día. Y con todo el mundo encantado de la vida-los leprosos adorándola como a una santa y las chicas, muy en espíritu de pioneras del far west, decididas a dejarse la piel en la fundición antes que volver a la triste vida alegre del mundo flotante. Cosas de obtener respeto, así a lo tonto, Lady Eboshi está a punto de instaurar un matriarcado.

Eboshi y sus comandos de maris de élite

La “princesa Mono9noke” y la señora Eboshi son dos fuerzas antagónicas en desorden y colisión que el voluntarioso Ashitaka debe empeñarse en conciliar-aunque para ello deba separalas incluso físicamente para evitar agarradas… y recibir patadas y malos modos de todas partes. Los mundos del bosque y la ciudad del hierro amenazan con destruirse mutuamente por la codicia y la falta de escrúpulos de Eboshi por un lado, y la furia ciega de San, sus hermanos de camada y otras fuerzas naturales desatadas (como los muy miyazakianos dioses-jabalí) por el otro. En el momento culminante de la historia y a falta de ents justicieros, San no duda en responder al desafío de Eboshi y en ayudar a las deidades porcinas en lo que Kipling llamaría “dejar entrar la selva” mientras que es el vapuleado Ashitaka, el libre de odio pero con los momentos contados a medida que su marca maldita lo deja seco, el encargado de padecer experiencias místicas y un renacimiento espiritual con el auténtico rey del bosque y señor de toda la vida, justo en el momento en el que una acorralada Eboshi pacta con el emperador y se dispone a cometer la blasfemia definitiva.

La carga de la jabalinada ligera-la forma más eficaz de hacer beicon

Lo más destacable de Mononoke, con tanta épica, áulica y mensaje ecologista, es la enorme sensación de frescura, encanto artesanal-incluso con los toquecitos computerizados, los filmes miyazakianso siempre lucen primorosos y tiernos como el pan de Cádiz, violencia y todo-y la sensación casi infantil de maravilla igualmente marca de fábrica. Nada como un poco de mitología japonesa y el toque personal del director para evitar lo que, en manos occidentales, hubiera acabado siendo un Pocahontas o Avatar del montón. En Mononoke nada es blanco o negro, nadie posee la verdad definitiva, hasta los dioses pueden convertirse en demonios malévolos si el odio les consume, un dios de la vida puede convertirse en un shinigami de la muerte, los marginados pueden valerse por sí mismos y las niñas no sólo no quieren ser princesas, ni tan siquiera desean ser humanas. Incluso el timidísimo conato de romance entre San y su admirador Ashitaka-si quieres evitar que una chica te rebane el pescuezo, échale un piropo-hace poco por convencionalizar a la indómita. En “Mononoke”, la frontera entre lo natural y lo sobrenatural, lo divino y lo monstruoso, la bondad y la maldad o lo humano y animal es tan fina e inquietante como los kodama, los geniecillos con cabecita de sonaja que certifican el grado Muniellos de limpieza-habitabilidad de un bosque.
Todo un clásico.

Dado que los tiempos y las fechas acompañan, vamos a hablar de terrores y temblores infernales, de la furia de los demonios, la desesperación de los condenados y demás delicias del inframundo .Y, ya que estamos, de cómo crear una mini leyenda a base de pacientes décadas de aliño tebeístico.
El orígen de nuestra historia de horror, tinieblas y azufre, mucho azufre, descansa en los hombros de dos colosos del comic, Harold Foster y Jack Kirby.
A primera vista, nada parece más alejado de lo terrorífico que El Príncipe Valiente, la tira dominical que Foster creó en 1937-a excepción de la melenita a lo paje de su heroico protagonista. El maestro Foster era un espíritu romántico enamorado del paisaje majestuoso de Nueva Escocia y la Edad Media más tradicional, y como no podía ser menos tratándose de un tebeo ambientado en los tiempos del Rey Arturo, el mismísimo mago Merlín va a ser uno de los mentores del osado príncipe de Thule. Lo que el impetuoso Valiente aprende de Merlín, más que nada, es a usar la cabeza, pero lo fantástico va a estar muy presente en los primeros años del comic. Lo que hace todavía más divertido el hecho de que el orígen visual de The Demon se remonta….a un pato. Concretamente, el ganso que el habilidoso Valiente, con el desparpajo de alguien criado en los pantanos ingleses y entonces simple escudero adolescéntulo de Sir Gawain, caza, despluma y utiliza como máscara de camuflaje.

Val pretende detener a un barón felón que emplea el miedo a lo sobrenatural para someter la comarca usando sus mismas armas, y con el pobrecito ganso fabrica “la más espantosa visión de este mundo”. y ES SUPEREFECTIVO!-Tan horrenda es la visión que el propio barón felón se muere del infarto y el “demonio aullante” de Val-al que en sus años mozos no le faltaba talento para lo dramático-pone en fuga a todos los esbirros del malvado. La visión de la “ominosa figura” observando envuelta en su capa desde las almenas del castillo siniestro cómo todos los bandidos huyen perdiendo los calzones debió de ser lo suficientemente carismática como para inspirar visualmente a Jack Kirby. El Rey, no contento con montarse la edad de plata marveliana junto con Stan Lee – entre ellos dos, juntos o en compañía de otros, crearon a casi todo superhéroe marveliano digno de renacer en la actualidad como peliculón veraniego-rebotó periódicamente durante su carrera a la compañía rival, DCcomics-y fruto de una de sus escapadas de los años 70 fue The demon

Oh, qué es esa ominosa figura envuelta en etc etc etc

Por si la Lavteria en la que Kirby “naciera” al inmarcesible Victor Von Muerte-y su fiel Boris-no hubiera sido lo bastante folklórico-despatarrante, el Rey recicló el orígen artúrico-merlínico de la criatura amarilla improvisada por el príncipe Valiente para crear su demonio…con una ambientación-homenaje a la serie de Frankestein de la Universal-Centroeuropa, feudalismo inmune al Telón de acero y gendarme lisiado y todo-de suerte que en cuanto la mismísima primera portada nos presenta a los imprescindibles aldeanos enfurecidos empuñando antorchas y aperos de labranza varios, casi escaparon lagrimones de mis cansados ojos.
La premisa del nuevo superhéroe kirbyano sólo necesita dos espectaculares páginas de prólogo. Cuando el mítico Camelot está a punto de caer en manos de las fuerzas del mal lideradas por la perversa Morgan le Fay-portando máscara futurista coquetona digna del Excalibur de Boorman-el mago Merlín invoca a un demonio del averno y confiándole un pedazo del libro encantado donde guarda sus secretos, hace explotar el castillo. Camelot desaparece de la historia y de las ruinas, una grotesca figura bestial se endereza y se convierte, poco a poco, en un hombre. Chan chan chan chan…..
Salto temporal a-por supuesto-Gotham City, en el muy modelno y pop 1972. Conozcamos a Jason Blood, demonólogo y experto en ocultismo con un ostentóreo color de pelo rematado por inconfundible mechón blanco. Blood vive en un auténtico museo de antiguedades que incluye una galería de ancestros todos clavaditos a él, mechón y todo, con Randu, misterioso diplomático hindú y Harry, un publicista juerguista y bocazas como únicas amistades. Lo que no impide a nuestro proto Indiana Jones dar unos fiestones de lo más chic.

Paralelamente, Morgana, que necesita desesperadamente un lifting, mueve ficha para encontrar el libro de Merlín, para lo cual es imprecindible dar con su lugar de descanso-y para ello, nada mejor que encontra primero a su demonio. Justo en el preciso momento en el que Jason, su debonair y sus cachivaches, han impresionado lo suyo a la rubia de turno, Glenda Mark, una socialite cuyos ojitos hacen chiribitas cuando el sofisticado Blood habla de Rembrandt como si lo hubiera conocido de toda la vida, y a quien el hecho de que al héroe le interrumpa la fiesta un no muerto mensajero le parece “fascinante”. Blood tiene que cesar su ligoteo en carrera contrareloj hacia…el castillo Branek, Moldavia o alrededores. Porque llevar el sepulcro de Merlín de Bretaña, la grande o la pequeña, a subenestrujenbajestein es algo que Kirby, de orígen centroeuropeo, tuvo que encontrar “simply irresitible”.

Esto es lo que entiende el doctor Blood por ligar desaforadamente. Glenda la party girl está encantada.

Así, el espíritu del mago, que diría Javier Negrete, se levanta de nuevo para enfrentarse a Morgana utilizando su mejor arma para defender su tumba-el demonio Etrigan.

Una pequeña invocación y presto, desaparece la forma humana del demonio de Merlín y un familiar bicho amarillo salta al ruedo a repartir leña, rayos, truenos y centellas. Y este es el esquema de la gistoria ideada por Kirby-cuando las fuerzas del mal se ponen pesadas, Merlín invoca a su fiel demonio y Etrigan resulve la papeleta a berrido, fogonazo y guantazo limpio, y muerte a los enemigos de Merlín!!!-El demonio ha despertado al siglo XX, Y EL problema es que para ello, la forma humana Jason Blood debe evaporarse temporalmente,y eso de compartir plano termina siendo un pequeño inconveniente para su vida social-o la salud mental de sus amigos y aspirante a novia, para quienes las actividades de Blood son cada vez más extrañas-extrañas incluso teniendo en cuenta los requerimientos profesionales de un ocultista. Y luego está Etrigan, cada vez más autónomo y con ganas de cha-cha-cha. La serie original de Kirby terminó abruptamente sin haber resuelto el dilema que se planteaba-el humano Jason Blood corría el peligro de ser devorado poco a poco por su persona de demonio, al igual que a nadie le importa el pobre Bruce Banner porque todos los lectores o espectadores estamos esperando que se transforme en Hulk. El triste destino natural de Blood es acabar atadito en alguna mesa o círculo místico para que Etrigan salga de su interior.

Harry intenta contar sus aventuras -Randu, Jason y Glenda no saben dónde meterse.

De todos modos, la serie original del Demon kirbiano estaba demasiado orientada a la aventura, aunque terrorífica-y al homenaje a la Universal-(la versión que realiza el maestro Kirby del fantasma de la ópera es un giro casi tan descacharrantemente rompedor como la parodia mundodisco de Terry Prattchet) como para que el drama de Jason Blood necesitara ser tratado en profundidad. En lo que el Rey resulta insuperable es en su habitual y poderoso desparrame visual.Para entendernos-Kirby necesitaba un tema para dibujar monstruos, tentáculos y criaturejas, armaduras imposibles, arquitecturas más imposibles aún y fingunillos de todo tipo. Las mejores páginas de su Demon son todo un homenaje al Kirby que creó visualmente el Asgard de Thor o la zona Negativa de los 4 Fantásticos. Sólo un vistazo a las páginas dobles con las que abre cada capítulo-la del ataque a Camelot, mismamente-son un ejemplo supremo de Jack Kirby en su salsa. La prueba de su divinidad-y la de sus entintadores-se encuentra en lo increíblemente bien que sus dibujos soportan el blanco y negro cuando en las mayor parte de las recopilaciones actuales en formato popular de sus obras se prescinde casi siempre de las planchas del inenarrable colorín sesentero o setentero de la época.

Para muestra un botón-la mitad de un despliegue central con el héroe en plan Transilvania 6-500. Yodelé yodelé.

En cuanto al demonio que nos ocupa, Etrigan es…muy, muy formalito para ser un diablillo. Por supuesto que hablo influenciada por lo que se perpetró luego con el personaje, pero Etrigan es total y absolutamente fiel a Merlín, se permite moralizar contra los malandros de turno, y es, en conjunto, una criatura infernal de lo más decente incluso cuando se pòne de relieve su naturaleza indomable y luchadora. La serie se interrumpe justo en el momento más interesante-Jason-Etrigan se deshacen, otra vez, de la amenaza de Morgan Le Fay, Glenda descubre la doble personalidad de su amado y se queda tiesita, pero, justo antes demuestra aptitudes naturales para la magia muy potentes para tratarse de una muggle, en especial el manejo de uno de los souvenires más interesantes de Jason Blood, la piedra filosofal. También había demostrado ser capaz de tener una agarrada con la mismísima hada Morgana en pelea de gatas-nadie toca a su hombre impunemente. Y así, con Glenda soltándose la rubia melena, finaliza la serie original de Kirby.

Aunque implique-o precisamente por eso. jugar con las fuerzas ocultas, nada puede resistirse a la curiosidad femenina.

La combinación Blood-Etrigan, sin embargo, era demasiado prometedora como para acabar en el congelador. Cuando ya en los ochenta Alan Lee revolucionó el concepto y el personaje de La cosa del Pantano, por ahí aparecio el tandem como artistas invitados-junto con uno de los monstruitos de la semana de la etapa Kirby, aquí convertido en terror puro. El bueno de Jason luce ahora ligeramente amargado y suelto de tuercas-las que le debe estar apretando su demonio, aquí en su salsa infernal auténtica y mucho más amenazante que en los viejos tiempos. Lee lo describe, por boca de un personaje, como “el demonio que se cree medio humano”, intentando la misma jugada ambigua con la que revitalizó a Alec Holland-La Cosa. Pomposo, pero inquietante. Para empezar, a Etrigan lo han ascendido de nivel en los círculos infernales y a partir de ahora-y para añadir tormento, supongo-hablará en verso. Lo que nos faltaba.

Si no te gusta León, por ahí está la estación.

El momento-1987-era perfecto para que se cerrara definitivamente el relato de Kirby aclarando casi todo lo que nos quedaba por saber acerca de este curioso “demonio de Merlín” y su envoltorio humano. Matt Wagner sería el encargado de miniseriar una obrilla maestra dedicada a modernizar al personaje, pasar de la aventura al drama y de Centroeuropa a Cornualles. Y comienza su tragedia exactamente donde Kirby lo había dejado-con Glenda y su adicción a la piedra.

Jason Blood ya no es el Indy aventurero y dispuesto a todo de la década de los 70-y un feeling, a qué negarlo, de folletín años 40-sino un ser frágil moralmente acabado y mentalmente exhausto, la sombra de lo que Kirby concibiera.Y esta no es Glenda, que nos la han cambiado. La atolondrada barbie de la época kirbiana ha sufrido inversión de papeles desde que se ha enterado de que su hombre es un demonio amarillo, y hace su entrada al rescate, disfrazada de Carmen Sandiego, pedrusco en mano y, escondido en su bolso… un libro muy peculiar. Un incunabulus del siglo XV donde se retrata a Belial, un demonio de rigurosa tradición histórica que, buscando por google, se vería tal que así.

Por Dios, si hasta es amarillo!

Parecido familiar que todo el mundo puede ver, salvo el-los-propios interesados.Wagner ni siquiera incluye el grabado en el comic, simplemente lo insinua. Ante la sospecha razonable de un hechizo de ocultación-ofuscación, Jason se ve obligado a enrolar a Glenda, ya que lo ha seguido hasta Cornualles, como devoto Robin, y por muy desagradable que sea la experiencia, deciden que no hay más remedio que invocar al demonio.Varias veces, y con peligrosidad creciente, porque este Etrigan sí que es una auténtica y genuina criatura del inframundo. Cruel, astuto, animalizado,grosero, ingobernable, lleno de malicia, con agenda propia y básicamente tan harto de Jason Blood como Jason Blood está de sus rimas, asonantes o consonantes. Las preguntas van a ser simepre las mismas-Etrigan, ¿por qué te pareces a Belial? ¿Qué lazo te ata a Merlín y te obliga a callar y obedecer su invocación? ¿Qué te hace ser tan grandísimo capullo?

Etrigan no puede cantar de plano, pero maneja al deseperado Blood y a su Glenda como marionetas-factotum con una habilidad digna de su linaje demoníaco, del mismísimo padre de las mentiras o verdades calladas o mediadas, hasta que, en el momento cumbre del invento, Blood se encuentra entre la espada y la pared y debe invocar a Belial en carne corrupta, en uno de los encuentros más memorables del comic ochentero. El destino de la víctima propiciatoria que se cobra Belial, el ser de maldad que nunca duerme, es de verlo, y no contarlo, para creerlo. Es mérito de Matt Wagner relanzar a Etrigan con la demonología medieval, recordar los orígenes míticos de Merlín, y, en el rasgo literario más genial de todos…hacer que la terrible experiencia del angustiado Blood se cuente en forma de flashback narrado por otro demonio, Astaroth, muy en su papel de comentarista deportivo, pasándoselo en grande….y obligándonos a cuestionar cuánto debemos fiarnos de los comentarios mordaces, análisis y explicaciones de un ser intrínsecamente astuto y archimentiroso con ganas de chinchar- y eso incluye su valoración final tanto de Merlín como de Jason Blood, y de lo que Merlín decidió que debía hacerse un milenio atrás. Es decir, arruinar para siempre la vida-muy, muy larga, de un pobre pelele condenado-literalmente- a ser un guante de usar y tirar desde tiempos medievales.

Belial-sobran las palabras.
Mas que el dibujo, algo funcional, es la contundencia de tragedia sofóclea y circular y la dosificación de la tensión cada vez más apremiante lo inolvidable de los cuatro cortos pero intensos números del relanzamiento wagneriano de The Demon publicados en España en la siempre recordada Clásicos DC y reeditada por Planeta con muy buen criterio justo a continuación de su lanzamiento del original de Kirby en el 2007. Así comenzó para las nuevas generaciones la pesadilla eterna de Jason Blood, y la puesta a punto de Etrigan, listo para convertirse en personaje secundario de nota de la casa DC. Desde entonces, el bicho ha tenido varias colecciones dedicadas a él solito- y a su víctima. La novedad más importante que trajeron los años 90-desde la publicación de Los libros de la magia de Gaiman, o de las apariciones estelares del diablillo en Superman odisea temporal, fue intentar dar una nueva vuelta de tuerca al orígen de su forma humana, supongo que por hacerle recobrar algo de entidad tras el tremendo baño wagneriano, y convertir a Jason de simple envoltorio humano creado in situ a ser un sacerdote new age, digo celta, que tuvo la mala pata de ser elegido como cárcel del diablo. Su relación, menos Bruce y Hulk, más del tipo -tú me das, yo te doy recuerda cada vez más a la de Naruto Uzumaki y al Kyuubi, el demonio zorro de nueve colas sellado en su barriguita.(Al menos Naruto no salió tan quejicoso como Jason, a él le basta con sufrir por Sasukeeeee!!!!).
No sé cuántas reinvenciones más habrá tenido el asunto desde el tratamiento Wagner-Morrison, Ennis, John Byrne…Cada superhéroe americano tipo-especialmente de la DC, aunque Marvel no le anda a la zaga-debe tener cinco orígenes distintos, ochenta actualizaciones, veinte ultimates y tres o cuatro crisis en el infinito. Sí que es verdad que, a fecha de septiembre de este año, Etrigan ha vuelto-otra vez-en Demon Knights, que parece ser una versión medieval de los años verdes de Blood y su bestia recién incorporada-e incluso me temo que comparten novia.

Sería mi cuarta versión de los orígenes de la alianza non sancta de Etrigan y Jason el rex nemorensis…o caballero, o lo que sea en lo que se haya reconvertido la década pasada. No me extraña qur la pobre criatura se lo tome tan mal. El tiempo dirá si, después de tantas alabanzas a Kirby y a Wagner, termino enganchada a alguan colección regular dedicada al personaje doble. Juré que nunca lo haría después de sufrir la comedia salvaje de Demon contra Lobo, pero nunca se sabe con las criaturas del inframundo.

Si disfrutas como parvulillo en tienda de chuches con el inevitable Naruto de Kishimoto, si te pirra el ciclo pseudojaponés de las Leyendas de los Otori de Lian Hearn, o si tienes curiosidad acerca de cómo puede montarse West Side story con ninjas, Shinobi (2005), es tu película. O novela, dado que la historia proviene de una fantasía de los años 50-Los manuscritos ninja de Kouga, además de versionarse del mismo modo en el manga y el anime conocidos como Basilisk.. En el caso de la película que nos ocupa, quizás se necesite más introducción histórica de la que conozco y esto es lo que lo que saqué en limpio en el film: cuando Japón entró en el período de gobierno unificado bajo el shogunado de los Tokugawa y se dio por finalizada la época feudal pura y dura, tanto los samurais de nuestras entretelas como los misteriosos ninja comenzaron a quedar un tanto descolocaditos y demodés. Todo adicto a Naruto o aficionado a los Otori sabe que los ninja o shinobi viven apartados en “aldeas ocultas”, que dominan una serie de técnicas hipermega resultonas llamadas jutsus, que pasan de padres a hijos, y que, tanto en el mundo de Naruto como en el de esta película, si sus clanes se esfuerzan muy mucho en la selección natural pueden crear sus propias barreras de sangre-mutaciones propias, pa entendernos-con las técnicas oculares o doujutsus como pináculo de perfección y arma definitiva.

Los samurais de la película, soportando impasibles el ridículo delante del shogun y la amenaza del paro

En este mundo traidor, dos clanes shinobi rivales, los Kouga y los Iga, han estado enfrentados entre sí y apalancados en una paz forzosa durante 400 años. Como el amigo Chespir diría, de las entrañas de estas dos familias…. surgen nuestros desventurados amantes, Gennosuke y Oboro. Gennosuke es el nieto del vejete Danjo, líder de los Kouga, y Oboro nieta de Ogen, güelina de armas tomar y jefaza de los Iga.

Y sin chistar.

Ambos ancianos tremebundos han llegado a la edad de la jubilación sin haberse zurrado como Kami manda, de modo que saltan cual ardillas ninja cuando el shogun, tras una demostración en la que un shinobi escogido de cada clan deja fuera de combate a tropecientos extras que no las veían venir, declara nula la tregua centenaria entre las villas ocultas y ordena que Igas y Kougas elijan a sus cinco mejores shinobi para matarse entre ellos con toda tranquilidad. El clan ganador-superviviente decide quién será el heredero al shogunado.
Gennosuke y Oboro, como no podía ser menos, son elegidos los nuevos jefes de sus clanes respectivos y parte de los cinco elegidos para la ocasión, no sólo por ser nietos de sus abuelis, sino por el mardito poder ocular. Precisamente poco después de que hubieran decidido comprometerse en secreto. Snif.

Ay la niña de esos ojitos, la perdición del orgulloso clan Uchiha y el orígen de todos los males-especialmente lo pesadísimo que se ha puesto Sasuke- en Naruto. En esta historia, tanto monta monta tanto y otra vez lo mismo. Las demostraciones de lo que cada tórtolo puede hacer con sus respectivas super pupilas se dejan esperar, pero son impecablemente espectaculares, una buena muestra de lo peligrosos que los shinobi pueden llegar a ser para el nuevo orden de cosas que quiere imponer el shogunado. La ironía en cuanto a “lo que pueden hacer esos ojos” es aún más hiriente cuando descubrimos que Gennosuke (Jo Odagiri)además de un proto punk de pelucón ochentero es un pacifista con gesto de perrito de aguas abandonado en la carretera

y su Oboro, “no especialmente dotada en lucha y en espada”- lamenta su abuela-resulta otra que tal baila y toda suavidad y delicadeza (además de la versión japonesa de Olivia Williams). Como esconder bombas de neutrones en el osito Mimosín, las criaturitas.

los amantes de Teruel, tonta ella y tonto él

Tan blanditos son los niños que incluso a decir verdad sus escenas de citas furtivas quedan un tanto forzadas-a excepción del prólogo que narra su primer encuentro, sugerente porque Gennosuke se queda mirando a la moza y activa el sharingan, o la variedad de pupila mágica que tenga.
En fin, que el momento no es favorable al hippismo. Los shinobi, tanto Montescos como Capuletos, tienen en la lucha la razón de su existencia y negocio. Gennosuke es lo suficientemente agudo como para comprender que el concurso-oposición “haga que los mejores shinobi de cada clan se maten unos a otros” del shogun tiene más cuento que Calleja, y pretende acudir a la capital para hablar con el funcionario Hatori Hanzo-interpretado por un actor clavadito a christoper Walken, como para haberse fiado- pero sus habilidades de persuasión no están a la altura de sus poderes oculares, y pronto está trotando por esos bosques con cuatro compañeros a cual más folklórico y dispuestos a enfrentarse a los cinco shinobi rivales al mando de Oboro. Y allá vamos, que esto no es un simple drama romántico sino una tragedia de acción, pataditsus y ninjas voladores. La colección de ejemplares que conforman cada equipo son dignos de un tebeo de la Patrulla X. Tenemos de todo como en botica, desde el primo de Osaka de Lobezno al sensor adivinatorio, al grimoso momio roba caras e incluso, en el equipo Iga a elementos como Yashamaru, un andrógino estiloso que…

Hace cosas raras y muy letales con sus mangas.

O a Tenzen, que lleva vivo unos 300 años usando el mismo truco que el Manji de la espada del inmortal, usa el mismo champú que Yashamaru y pintalabios morado.

O a la dulce Hotarubi, que utiliza polvos de pixie para dominar a las mariposas.

O a Kageru (equipo Kouga) que es tal cual la Hiedra Venenosa de Batman.

Con un reparto tan variopinto, las cuidadas coreografías marciales a un paso de los volatines del wu-xia chino, violencia estilizada-la justa-y el sentido tan japonés del paisaje y lo natural que en este caso se emplea a fondo a base de panorámicas épico-majestuosas, luz de luna irreal y dorados rojizos otoñales, el ritmo y la tensión de la historia no decaen ni un momento. Lo que se pierde por cosas de metraje en profundidad de los personajes-suponiendo que en el manga la tengan, que tengo que leerlo- se gana en, por así decirlo, intensidad poética, de modo que en lugar de una ópera, nos quedamos con un ballet ritualizado. Ayuda a ello que estemos a un pasito del manga original, no hay más que echar una ojeada al feeling animesco de combates y caracterizaciones de algunos shinobi algo pasados de rosca, que la troupe que acompaña a los enamorados se las trae. Con todo, la historia intenta tomarse lo suficientemente en serio a sí misma-dentro de lo que permite el lanzamiento de kunais, shuriken y los volatines a lo Circo del Sol-como para que su resolución sea redondita y cumplidora. Cortesía de Yukie Nakama-Oboro-candidata número uno al abrazo de grupo del año.

Lo mejor de Shinobi es, además, que ya puedo hacerme una idea de cómo se vería una versión en imágen real de Naruto, cuya única diferencia consiste en unos cientos de episodios más que la serie en la que se basa esta película y el aumento proporcional de presupuesto que exigirían unos cuantos sapos gigantes y jutsus de nivel bíblico. Solo imaginarse el chandal naranja del Naruto en carne mortal es para echarse a temblar, pero todavía más terrorífico es constatar que el mensaje de “Naruto” la serie y “Shinobi” es el mismo o tan parecido-cómo reciclar a clanes y poblados enteros educados desde la cuna para exterminarse en guerras periódicas y evitar ciclos de odio absurdo e inacabable- como para que la resolución que anda buscando Kishimoto, la batalla definitiva entre Naruto y Sasuke, no tenga todavía más connotaciones de “Romeo y Julieta”(con Naruto berreando a grandes voces “moriremos juntos, Sasukeee” ¿qué vamos a pensar?) de las que ya le dan las fan girls. Que sí, que ya sabemos todos que Sasuke es un tsundere y se está haciendo el difícil, pero diosa Kannon santa, que no le den más ideas al Kishimoto.

Tenía que habérmelo olido y de hecho, me dejó a cuadros. Por mucho que en este caso se tratara de película, que no serie, estaba convencida de que este regalito póstumo del finado-en el sentido Walder Frey-canal Animax era la adaptación de un videojuego con mucho cazabombardero, zacapúns y booms, y como la última versión del Mazinger Z me había dejado bien servida de estruendos y alaridos, había dejado Sky Crawlers grabada y olvidada hasta ayer mismo. Cuando esperaba ver una versión japonesa de Top Gun y me encontré con la variante voladora de Nunca me abandones de Kazuo Ishiguro.
Es lo que pasa por no leerse la información de las carátulas promocionales.
A lo que vamos-Sky Crawlers, el film-porque al parecer hay novelas, manga y sí, jueguecitos de la Wii-es una película estilizada-(animación de primera tanto en dos como en tres D salvo ocasionales “avionazos” que parecen más de la wii que de la cinta animada en sí), poética y contemplativa. Con mucha nube. Tan ritualizada como los elegantes e impecables ballets aéreos que adornan sus momentos cumbre, y tan alejada de la acción al uso como era de esperar al leer su pedigrí de autor y el cartel promocional-Venecia y Toronto? Arredro vayas!

Futuro indeterminado de un lugar indeterminado sospechosamente parecido al norte de las islas británicas. Yuichi Kanammi, nuestro intrépido as de ases protagónico, que consigue la casi imposible proeza de no cambiar de expresión en las dos horas siguientes, se une a un pequeño escuadrón de pilotos jovencísimos en la habitual base remota o Quinta Puñeta, sn. Al parecer, su misión es sustituir a Jinnrei, un piloto del que no se sabe si ha sido derribado, trasladado, o simplemente “desaparecido”, más que nada porque lo que impera en la base es el mutismo más absoluto y deliberado en todos los aspectos, desde el pasado de los pilotos, todos ellos quinceañeros, a las relaciones esporádicas con los civiles. Que haberlos, haylos, aunque dispersos . Poco a poco, si tenenos la paciencia de seguir el día a día de Kanammi y sus compas, descubrimos que la “guerra” en la que nuestros intrépidos pilotos arriesgan el pellejo no es entre naciones, sino entre dos compañías rivales. Que los combates se retransmiten en directo para entretenimiento del respetable-con visitas organizadas a la base de vez en cuando, y todo-que todos los combatientes son adolescentes eternos, destinados a no crecer jamás y a caer en combate lo antes posible-y la vaga sensación de que las acrobacias aéreas están condenadas a andar interminablemente igualadas, especialmente a causa de una figura terrorífica del equipo contrario, un “adulto” real y auténtico apodado el Profesor, que significa la muerte segura para el infeliz que se le ponga a tiro.

Y a vivir, que son dos días-literalmente-y la mitad nublados.

Hay una extraña conspiración de silencio-tanto entre los escasos civiles con quienes estos niños piloto-carne de cañón entran brevemente en contacto como entre los mismos pilotos juveniles, por ocultar lo obvio entre las bases inmutables de la rutina diaria, las “misiones” y los vuelos de reconocimiento. Los chicos no sólo están permanentemente estancados en la adolescencia. Tampoco tienen recuerdos definidos, y viven en un estado de o bien euforia permanente entre las nubes, o embrutecimiento concienzudo una vez en tierra-todos son fumadores compulsivos, agarrados a la birra como posesos, y si les da el picorcillo, abonados al farolillo rojo para ellos y chalecito apartado para ellas. Mayor desasosiego ocasiona al espectador descubrir el hecho de que en cuanto uno de los pilotillos cae, otro muy parecido y con los mismos patrones de conducta viene a ocupar su lugar. Pronto se nos hace entender la horrible verdad-los héroes del aire de esta película están fabricados en serie. Se trata de clones especiales, Kildred, literalmente, muñecos reciclables con desarrollo físico frenado y recuerdos alterados, de los que lo único que interesa son las memorias reflejo de sus habilidades específicas como pilotos, no boberías tales como crecimiento individual o instinto de supervivencia. Total, pa qué?

Lo cual, se deja caer sibilinamente, ha sido el caso de Kannami y su predecesor. Y explicaría las extrañas reacciones que provoca en su superior, Suito Kusanagi, veterana con ocho años de servicio y madre de una niña que pronto tendrá su misma edad, entre otras cosas. O el discreto deja vu que provoca en los civiles o en el resto de la base, sensación que todo el mundo ignora educadamente. Kusanagi rompe la cadena de personalidades fragmentadas e incompletas de los restantes chicos del escuadrón por el mero hecho de haber sobrevivido a su primera temporada…y a su segunda, y a su tercera…Casi ninguno de los “chicos” y “chicas” kildred tienen tiempo suficiente como para saber qué son, formarse recuerdos o una personalidad determinada antes de ser derribados y “renacer” de nuevo para empezar otra vez. La mayor parte, como el mismo Kanammi o la joven Mitsuya, que intenta desesperadamente crearse imágenes de infancia, vive como en un duermevela confuso. La pobre Kusanagi, apartada del servicio activo, está condenada a vivir en un bucle infinito como un insecto atrapado en ámbar o en una partitura de Michael Nyman. Incluso llega a citarse muy alegóricamente el mito de Sísifo versión de Camus, y una de sus proposiciones, el suicidio liberador.

“Hame dado en la nariz que esto ya lo he vivido antes”

Ante tanta desesperación existencial y tanta “pasión inútil”, nuestro héroe Kanammi vendría a representar otra opción de manual-”aunque el camino sea siempre el mismo, siempre se puede descubrir algo nuevo en él. ¿Es ese motivo suficiente para vivir… o no es suficiente?”
Tú dirás, chaval. Pero al menos, cambia de carita alguna vez.

Y en este moral dilema consiste toda la historia. Por supuesto, la explicación que se da a la función de la guerra de nunca acabar que deben llevar a cabo estos adolescentes eternos es tan deprimente como traída un poco por los pelos. Básicamente, están ahí para que la gente normal y corriente valore la paz? Siempre cabe achacar la pasividad de los kildred ante su destino de morralla a su desarrollo incompleto e interrumpido-están fabricadas así, las criaturas, llenas de ese fatalismo tan japonés de “esa es la misión vital” que deben cumplir. Pero la actitud de los adultos no clonados que deben cuidar de ellos o pululan cerca de la base es tan descconcertante como inexplicada. Por los ocho años de hoja de servicio de la pobre Kusanagi sabemos que el experimento kildred no viene tan de largo como para que el trajín de críos piloto siempre idénticos a sí mismos se acepte como algo natural que siempre estuvo ahí o como algo tan conveniente que, al igual que en el caso de la espeluznante Nunca me abandones de Ishiguro, se oculte bajo excusas de todo tipo. Quizás lo importante del relato sea lo alegórico en fino y no lo social, porque ¿A quién no le ha dado alguna vez en su mísera existencia la impresión de ser una pieza recambiable en el sistema?

Yuyu!!!-pero qué yuyu!!!

Pero de ahí a tener que esperar a la escena extra tras los créditos para que se atisbe la posibilidad de algún ligerísimo cambio en la rutina del purgatorio marcial……

En fin, que al menos como aficionada a los perros, siempre me quedará el consuelo de haber presenciado el retrato más verídico y estremecedor de un Basset Hound jamás visto en un fim de animación, de las poses al ladrido, en la mascota de la base.
Nadie puede engañar la napia de un sabueso basset-y me da en la ídem que el animalito está ahí desde el inicio del experimento y se conoce todos los modelos y prototipos de aviones … y de pilotos.
Gwuof!!!

El romance de Courtney y Wolfgang, su Príncipe de Ninguna parte-no podía ser normal ni en eso, la nena

Por razones inescrutables, misteriosísimas y tirando sospechosamente a fetichistas, me va el blanco y el negro. Tanto en el cine como en los comics.Tebeísticamente hablando, todas las florituras que puede lograr el colorín digital-y por mucho uso narrativo que le pueda dar a una escena un juego y jugo cromático buen puesto- suelen dejarme ni fu ni fa, mientras que una de las quejas más habituales del lector occidental acerca del manga-¿Tiene que ser sin color, así de cutre? fue una de las causas primigenias de mi pirre por el comic exótico. Y está hablando alguien que conoció Akira con el, ajem, espectacular repasado digital de Steve Oliff. Y que sabe que, en el uso del color, el cine oriental puede lograr experimentos tan deslumbrantes como el Hero de Zhang Yimou o sus crisantemos de La maldición de la flor dorada..
Pues ni crisantemos ni peonias-me va el noir, y hay pocas cosas más exquisitas y elegantes que la fotografía de un buen film de los años 40 o 50, mientras que el color primitivo y el technicolor de las películas de esa época son la causa de que mi adorada Virgina Mayo, o Lana Turner lucieran maquillajes dignos de un circo de tres pistas.
Y luego está la decisión de unir estilo con tema-¿Alguien puede imaginarse Psicosis en color?
Eso mismo. Lo que me lleva a maestros de la sombra como Mike Mignola, de próxima aparición, o Ted Naifeh. Naifeh (1971) es un residente de San Francisco influenciado tremendamente-dice él- por sus caserones victorianos, el smog y las cosas raras. Cuanto más raras, siniestras nocturnas, mejor. Y lo que me llevó a conocer a su personaje Courtney Crumrin es que, al parecer, también le va el blanco y negro. Y resplandece en ello.

Los protagonistas de la historia-la niña Courtney y el misterioso “Tío A.”

Los cuatro tomos que ha publicado Norma editorial centrados en este personajillo me atrajeron-además de por inefable blanco y negro-a causa de las semejanzas no creo que casuales con la Coraline o el Nobody Owens de Neil Gaiman. Como el creador de Sandman, o como la grandiosa Susannah Clarke y su Jonathan Strange, Naifeh es, en esta obra, gótico, mitológico y folklórico. De ese folkore anglosajón que tanto se echa a faltar en los países mediterráneos. Ya en la misma introducción del primer tomo se nos advierte contra “la necesidad de los padres de creer que los niños son inocentes respecto al dolor y la crueldad, y que pueden ser protegidos de la oscuridad de la naturaleza humana”.
Naifeh, como Gaiman y su quinta, parece ser un firme defensor del verdadero papel cautelar de los cuentos de hadas (cuya función era precisamente familiarizar al tierno infante con la crueldad y el dolor) y de la corriente de pensamiento “Más Grimm y menos papilla”. Y no hay más que verlo, los verdaderos relatos folklóricos son terroríficos y… a qué niño no le encanta, en el fondo, pasar un poquito de miedo?

Precisamente por ello, el mérito de la serie reside no sólo en evitar ser un catálogo gótico de sustos baratos sino en, a la chita callando, convertirse en la narración de la entrada de una niña terrible en el aún más terrible mundo de la adolescencia. Courtney es una outsider sarcástica, gruñona, antipática, demasiado avispada para su propio bien, endurecida antes de tiempo por el abandono emocional de unos padres paródicos interesados solo en aparentar socialmente y comienza la serie siendo, para colmo, una desclasada. La historia arranca cuando la familia se muda a un barrio elitista, Hillsborough, en el tétrico caserón de un tío-abuelo de su padre, el igualmente tétrico y además excéntrico profesor Crumrin. El profesor se está haciendo mayor, y necesita las atenciones de su parentela-la cual, a su vez, está en números rojos y muy agradecida por la invitación. El resto puede predecirse: el tío Aloysius es aún más grimoso de lo que Courney recordaba, los pijísimos niños de la escuela la odian y el sentimiento es mutuo….y en la página 27 al único niño más acosado que ella se lo merienda el narrador de esta historia, un trasgo. Sin dejar un solo huesito.

Bon appetit, Butterworm
Cualquier otra niña se rendiría ante su destino-según el trasgo, ser el postre- pero estamos hablando de Courtney Crumrin y una de sus semanas prototípicas. O del profesor Aloysius Crumrin, de profesión hechicero ocultista, que tiene tanto de ancianito indefenso y chocheante como Gandalf el Gris de inofensivo experto en fuegos artificiales, algo que la niña descubre fisgoneando en su muy curiosa biblioteca.

En cuanto el desgraciadito trasgo termina esclavizado por su presunto bocadillo-la nena es dura de pelar- tío Aloysius y Courtney pronto se reconocen como almas afines. Uno necesitaba tapadera normalizadora en forma de familiares memos. La otra, un Merlín particular. Ambos están muy, muy solos. Courtney pronto comienza a demostrar su talento natural como brujita en ciernes. Lo cual, y aquí está precisamente el acierto de la serie, ni le va hacer la vida más fácil o divertida ni va a escudarla de los problemas de cualquier muchachita inadaptada de entre doce y trece años-amoriños, popularidad, acoso escolar, padres sólo preocupados por que su hija rarita no les deje en evidencia… y oh sí, la Asamblea de Místicos,-una comunidad mágica elitista- cerrada dentro del ya de por sí elitista-cerrado barrio de millonetis y viciada en corruptelas y luchas por el poder, que hace la vida imposible al tío Aloysius, el ermitaño que se complace en tratarla con olímpico desdén. Casi casi como los magos de Waverly place.

Connie, compañerita de Courtney, haciendo amistades poco recomendables.

Lo cual nos lleva de nuevo al asunto clave de la serie. Courney está al borde de la adolescencia, es decir, entre dos mundos. Afirmaba Brian Froud en su ilustradísimo libro sobre mitología feérica que los momentos de transición son un caramelo especialmente apetitoso para las ansias raptoras de los habitantes del reino de las hadas. Seres amoralmente inquietantes que en la tradición pre-victoriana no eran las diminutas muñequitas con mofletes de cromo de palma y alitas de mariposa- ni las actuales amigas de la Campanilla post-Peter Pan. Lo de Hermosa Gente era un eufemismo anti mal de ojo, su mundo es visible “en las horas crepusculares que preceden al ponerse el sol, o al amanecer, que marcan la transición de luz y oscuridad o viceversa.”(-Al Reino del Crepúsculo se dedica el tercer tomo de la serie)-y “los niños crecederos y las jóvenes, poco antes de la pubertad” son avistadores-y presas- naturales de las criaturas de la noche y todo padre prudente cuidará de asegurarse de proteger a sus hijos del peligro de las hadas. Exceptuando, claro está, los papás de Hillsborough. Courtney, como otras tantas heroínas en situación similar, está preparándose para el mundo adulto entrando en contacto con seres “de naturaleza media”. Primero las hadas, duendes, trasgos y “changelings”- o niños robados- que no comparten el alma humana. Y ah, sí, los gatos, los que “entran y salen” de donde les viene en gana, como ya habíamos aprendido con Gaiman.

Ella y su peluche-o los peligros del efecto rebote para un Cambiado.

En segundo lugar, a la “Asamblea de Místicos” los magos y hechiceras que rigen los destinos de Hillsborough desde tiempos coloniales-y a sus estrangulables alevines

Y en el último tomo y por rizar el rizo, Courtney se va de turismo a Centroeuropa con el tío Aloysius para toparse con criaturas mitad bestias y mitad hombres, los hombres lobo, claaro (momento que incluye una historia maravillosa acerca del orígen de la licantropía, la leyenda del ladrón del fuego) y con lo peor de todo, las que no están ni vivas ni muertas. Sí, esas que todos conocemos, y en la plenitud de su encanto Bramstockeriano. Nada de vampiros de diseño postmoderno en el mundo de Courtney Crumrin.

La mamá de Wolfgang. Para una vez que una encuentra pretendiente….

Hay que decir que, para caer en el tópico-cachondeo como Naifeh hace en las vacaciones europeas de los Crumrin, con zíngaros violinistas y todo-por Dios que sólo faltaron las muchedumbres enfurecidas con antorchas-nuestro autor lo hizo a lo grande. Incluso sus vampiros parecen novedosos….por lo completemente tradicionales que son, y ni rastro de romanticismo. Cosas del blanco y negro.

Ay, el corazón partío

La tragedia de Courtney es haber crecido sola. En sus trece añitos jamás ha llegado a intimar con alguien, a excepción del esquivo tío Aloysius. El mejor personaje de la serie-de hecho, ya ha protagonizado precuelas centradas en sus años mozos que espero acaben algún día en papel hispano y en mis garras ansiosas – alguien para quien, quizás, Courtney haya llegado demasiado tarde en la complicada tarea de funcionar como mentor. Courtney está en una edad peligrosa, en todos los sentidos. Normalmente, se desenvuelve y conecta instintivamente mejor con cualquier bicho sobrenatural que con sus padres o cualquier niño de su edad, y acaba descubriendo, disgusto tras disgusto, que los tales bichos sobrenaturales no son peores que los humanos, la versión supuestamente más completa a la que hacen contraluz…sino al contrario. Lo más desolador de la visita de Courtney a su antiguo barrio no es la criatura paranormal que aparece al final de la historia, sino el destino de los críos abandonados al pandillerismo callejero y la afición americana al gatillo fácil. “Tienes angustia existencial”, le comenta el vampirito Wolfgang. “Ni idea, tú eres el que habla alemán”-contesta Courtney, quien está de acuerdo con su nuevo amigo en que los adultos tienen el corazón marchito como una manzana. Courtney, la resabiada ex macarrilla de barrio capaz de enfrentarse a cualquier cosa, es en el fondo una romanticona a la que le gustaría creer en Stephenie Meyer y el amor eterno. Lo que ha visto, por el contrario, es que los humanos salen perdiendo en comparación con cualquier horror nocturno. Del tío Aloysius sospechamos que ha vivido experiencias y desengaños similares, pero que se ha dejado cegar por la madurez forzada y la habilidad mágica de la peque- “Es una niña, idiota, sólo una niña, es vulnerable de formas que nada tienen que ver con el poder”, le echa en cara al tío la ancianita sabia de acento raro que no podía faltar en el periplo europeo de la extraña pareja.
Lo que ocurre con el fin de la infancia de Courtney ha terminado por ser uno de los viajes a la Edad del Pavo más enjundiosos-y en blanco y negro- del comic reciente. Sólo cabe esperar que retome el personaje en una nueva etapa que incluya, incluso…que le dibuje una nariz, si no es mucho pedir.

Ahora que, según creo, toca renunciar al demonio, el mundo, la carne y al anime de Animax, quiero dedicar entradilla a la serie “de cualité” que me provocó más cefaleas de racimo de entre el paquete originario que ofreció la infausta cadena: Ergo Proxy.. Una de las historias más enrevesadas con las que se han estrellado mis pocas luces-con el consecuente pío pío cartoonístico en mi desprevenida cabeza. Vamos a ver-pensaba yo que había topado con un thriller futurista y acabé dándome de narices con un viaje metafísico-existencial. Ouch.
Sin los DVDS- o la paciencia rastreadora internáutica- que me hubieran permitido revisar este anime-y el tal experimento exige por lo menos dos o tres ” experiencias”, más que visionados, mi particular impresión acerca de de Ergo Proxy está en la escena de “Alicia a través del espejo” en la que la niña de Carroll-que está soñando, no olvidemos- y los gorditos Tarará y Tararí encuentran al Rey Rojo roncando a pierna suelta.
“-Ahora está soñando-dijo Tararí-¿A que no sabes lo que sueña?
- Vete a saber-dijo Alicia-¡Eso no lo podría adivinar nadie”
-¡Pues está soñando contigo!-dijo Tararí palmoteando con gesto triunfal-Y si dejara de soñarte ¿Dónde te crees que estarías?
-Estaría donde estoy ahora-le dijo Alicia-¿Dónde iba a estar?
-Que te crees tú eso!No estarías en ninguna parte-replicó desdeñosamente Tararí-¡Tú no eres más que una cosa en el sueño del rey!
-Si ahora el rey se despertara-continuó Tarará-tú te esfumarías como se esfuma una vela cuando se apaga la mecha.”

Hala, John Tenniel

En teoría, el comienzo de Ergo Proxy no podría ser más tópicamente desolador. En el futuro tenebroso y arrasado de sobras conocido, la humanidad vive amontonada ordenadamente dentro de una ciudad-cúpula, Romdo,con rigurosa organización colmenera y espíritu orwelliano de control, supresión de emociones y vigilancia policial. Una parte de la población es robótica-los llamados “autoreivs”, androides multiusos y de diferentes diseños y complejidad según sus funciones, cuya misión encubierta consiste en conectar a “su” humano correspondiente con las fuerzas más o menos vivas del gobierno- el Regente, un anciano ya con un pie en el otro mundo que sólo “habla” a través de cuatro autoreivs con la forma de estatuas sepulcrales de la Capilla de los Medici esculpidas por Miguel Angel, que conforman una especie de siniestro ente colectivo con un Director General humano-el sibilino joven Raul Creed-como cabeza visible en el exterior.

“No me despertéis – Hablad en voz baja, por piedad.”

Sí, esta sí la pillé, por haber ido de camping a Florencia y más que nada porque “parla basso” es lo único que leo bien de los mensajes sobreimpresos en la cabecera del programa
Por si la imaginería de la serie no prometiera ser lo bastante inquietante, la historia comienza cuando se extiende entre los autoreivs un misterioso virus, el Cogito-(sí, otro homenaje)-y adquieren autoconsciencia, se vuelva locos o se plantan en actitud de adoración y éxtasis orante-¿a qué? en una de las escenas más icónicas de la serie

.

Del control y eliminación de los androides infectados, acusados de asesinar a los aborregados ciudadanos, se encarga la dvisión de control de autoreivs, formada por immigrantes y refugiados de otras ciudades. Entre ellos se encuentra Vincent Law, inofensivo paisanín cuya monomanía es convertirse en ciudadano modelo-el estatus privilegiado-siendo callado, obediente y cumplidor. Vincent “Yo no fumo,yo no bebo, yo soy bueno”, tímido y patoso, se ha forjado una personalidad a base de no tener ninguna, el ideal de Romdo-a lo que ayuda su pinta entre babi mocosete y reporter Tribulete-y el uniforme de su sección, que es una patada visual en los callos de lo más fashion.

Quiero decir…home por Dios, Vincent

Aquí hay tomate, o la sensación de que Vincent “Por qué yo, yo no he sido,a mí no me mires” Law y su empeño en fundirse en el entorno son “detestables”. Al menos, eso es lo que piensa la inspectora Re-L Mayer, la chica dura de la película, nietísima del regente con síndrome de princesita de Zelda-la serie-acompañada de su ayudante autoreiv para todo Iggy. Que vive por y para ella, como manda su programación. En cuanto a nuestro Vincent,”es que parece mentira, pero se pone colorado cuando la mira.” Y todavía tiene otro admirador morboso-grimoso, el director del Departamento de salud y bienestar, Daedalus (Vale, otra referencia más)-un genio resabiado con pinta de pitagorín de trece años.
Re-l -oh, la sutileza del nombrecito-se aburre de contar ovejas eléctricas en su utopía cupulada. Sufre de cierta comezón y curiosidad a lo sirenita de Disney, es prepotente, respondona y, lo peor en su mundo, padece de un grado de iniciativa personal que pone a Iggy los circuitos de punta.

Re-L Mayer, reina de hielo

RECUERDE EL ALMA DORMIDA, AVIVE EL SESO Y DESPIERTE…..

Algo está podrido en Romdo. Algo relacionado con una criatura que no es ni humana ni androide-el Proxy. Algo superpoderoso mantenido muy en secreto y en coma por el Departamento de Salud y bienestar, pero que ha escapado… justo en el momento en que la pandemia robótica del cogito se propaga entre los autoreivs. Hasta el momento infausto en el que Re-L entrevé algo raro y enorme en una investigación rutinaria acerca del androide ido de la olla de turno y justo esa noche, a punto de darse un bañito relajante, aparece un mensaje-orden en su espejo. “EL DESPERTAR”

Y bampf, Re-L tiene un encuentro íntimo y personal con un monstruo-un Proxy. Y, a golpe y porrazo, despierta. Aunque sólo sea por el susto. Pero-¿Qué es esa cosa con máscara de joker, y por qué se ha limitado a acariciarla? Y espera-¿hay dos proxys, a cual más feo, y el de la máscara de joker lleva una capa roja de lo más familiar? Y qué rayos hace Vincent pululando por el vecindario con pinta de estar muy mareado?

Así se le queda al espectador la cara antes del episodio 8.

Conviene resaltar el cuidado con el que los animadores han mimado a dos personajes principales, Re-L y Vincent, porque el énfasis en la mirada -(Re-L es, posiblemente, uno de los personajes de animación limitada de ojazos más expresivos que recuerdo), en “abrir los ojos” y en el caso de Vincent, hacer sinónimos despertar con recordar, como en el castellano de Manrique, van a ser la clave del enigma.
Tenemos cuatro episodios introductorios soberbios, en los que como era de esperar, a Re-L la apartan del caso “por estrés”, negando toda información acerca de cualquier cosa llamada Proxy. Lo que no hace sino aumentar su obsesión. Vincent, por su parte, ha elegido un mal día para dejar de fumar, si fumara. En plena pesadilla kafkiana es declarado sospechoso del asalto a Re-L, perseguido por uno de los Proxy en un centro comercial en la escena más espeluznante de la serie (más que nada porque descubrimos que es el Proxy el que se dedica a despedazar a los ciudadanos y el presunto desencadenante del cogito)-y acusado de matar a su autoreiv ayudante, Dorothy. Acorralado y fugitivo, encuentra su única guía y compañía en una diminuta auto reiv (modelo… de compañía, claro, los más elaborados). Una niñita artificial de la que su “madre” humana intentaba deshacerse al haber obtenido la adopción de un bebé “de verdad”, e infectada por el virus cogito en la debacle del centro comercial. La criaturilla llamada-cómo no-”Pino”…y mona a rabiar además de pegarse a él con total desacato, al menos, parece saber cómo escapar de la ciudad.

Pero qué cosa más rica.
En descargo de Pino hay que decir que consigue no despertar los instintos herodianos del espectador- no demasiado, al menos-más que nada porque el proceso de imitación con el que se hace cada vez más humana (o por el contrario revela sus habilidades robóticas) tiene momentos inenarrables y dos frases inmortales dirigidas a Re-L “Pino está leyendo”-(enfadada) y “hey, chica rara”. Y es el coro-comentarista con espontaneidad infantil- infalible (los niños y los borrachos…) en una serie tan tristona. Unas veces cargante, otras de lo más efectivo, como al preguntar, cuando intentan hacerle comprender que un amiguito humano ha muerto-”si no se puede fabricar otro”. Desvelando el tema de la serie, de paso, así como quien no quiere la cosa.
En fin, que Vincent, descubierto pero decidido a jugarse el todo por el todo y creyendo que Re-L lo ha traicionado, se lanza al vacío, literalmente, y a una supuesta muerte segura en el exterior inhabitable y en eterna penumbra. Va en busca de respuestas, de un pasado que no consigue recordar y del motivo por el cual parece ser gafe perseguido por la muerte y la destrucción- o más bien por el Proxy-Va a emprender el viaje interior y exterior del héroe, y a sufrir en sus carnes famélicas y ajetreadas el proceso de transformación más espectacularmente sutil desde los tiempos del Doctor Jeckyll y mister Hyde versión Spencer Tracy.
Como muestra, fotogramas.

Tenemos al Vincent Law funcionario blandito y zampabollos ciudadano de segunda-que no habre los ojitos ni una sola vez, en gesto anime standard de-oculta tus emociones con sonrisita de vendedor de coches achatarrados-como Sai, el repelente personaje de Naruto.

Nunca dudes del sistema

Pero, cuando Vincent se enfrenta al terrible monstruo fugado del laboratorio, agotado y con un gesto de -”ya te vale-”-muestra por primera vez un par de ranurillas oculares.

Hasta que llega el momento en el que, dejándose caer al vacío exterior-en un instante no por cliché menos arrebatador-Vincent dedica su última mirada a Re-L…dejando al descubierto, por primera vez, un par de anormalmente fúlgidos ojos verdes.

Precioso, de verdad

Pues sí. Vincent tiene ojos, e incluso rasgos faciales definidos.”Este es el rostro de un ciudadano modelo”, comentaba Re-L con sorna del Vincent funcionario, advirtiéndonos de paso de que ese rostro era una máscara-personalidad-reflejo. “Vincent” es una tabula rasa, el personaje que usa para ocultar algo que no puede recordar con claridad. De hecho, la serie podría rebautizarse como “las mil y una caras de Vincent Law”, y lo más enternecedor, en sus primeros episodios como ente libre, es verlo intentar repeinarse inconscientemente y recuperar al menor sobresalto su expresión sebosa de funcionario, hasta que supongo que decide que no vale la pena. Su excesiva pasividad-la “personalidad Vincent” ha bloqueado de sus instintos cualquier asomo de reacción agresiva- y la amnesia autoinducida de todo lo relacionado con su vida anterior a Romdo son la válvula de escape de algo que debe esforzarse en recuperar, y allá va, en nave destartalada y en viaje de vuelta a sus orígenes, la ciudad desde la que había emigrado a Romdo. Desencadenando de paso una tragedia griega en el sentido más perfecto y edípico del término. El Edipo de Sófocles insistió en enfrentarse a la verdad aun con corifeos, adivinos y esposa en alerta roja y prefirió la ceguera real a la metafórica. Vincent no llega a tanto y protesta más, pero persevera. Gracias, más que nada, a que pronto se une al periplo Re-L- para desentrañar el misterio proxy de una vez por todas…y para dar unos cuantos meneos a Vincent como buena tsundere de vez en cuando, para espabilarlo.

Atontao!

Y llegamos al punto en el que la serie abandona el thriller futurista y se vuelve un puzzle patafísico. Teóricamente, Vincent es perseguido y tiene un enemigo jurado en Raul Creed, que culpa a Vincent de arrebatar de su lado a Pino, su “hija” artificial-pero Raul y el geniecillo científioc Daedalus-tal loquito por Re-L como Vincent, y determinado a recuperarla como sea- están más ocupados en jugar al ratón y al gato entre ellos y con averiguar las intenciones de la Regencia-colectiva macabra a la que está conectado el pobre despojo que es el abuelo de Re-L. También a ellos el asunto del proxy parece haber despertado, a su manera. De hecho, en algún momento dado todos los personajes, humanos, autoreivs y aproximados, entran en flipe existencial con el mismo esquema-”Si esto no es así”-cámbiese caso según el personaje-¿cuál es mi razón de ser, ay de mí?”

Daedalus y Raul-un duo que cree que se las sabe todas . O casi.
Dependiendo, entonces, del pobre y desorientado Vince en sus vagabundeos como hilo conductor, no es sólo nuestro héroe sino el pobre espectador el que puede perder las tuercas a lo autoreiv a la hora de digerir el bombardeo inconexo de información en vena y sin explicación aparente. Que puede llegar de cualquier modo, desde un monólogo interior, una alucinación, un ataque mental de otro Proxy (porque proxys haberlos, haylos, y muchos, todos hostiles unos con otros)-mi favorito, el que elimina a sus proxy rivales en una parodia de “Quién quiere ser millonario”, con Vincent de concursante estrella y cambiando peinado y expresión a medida que va ganando puntos.
Para cuando llegamos al momento de la epifanía-o broma- final…concentrada en dos episodios, se supone que debemos saber, o haber recopilado al fin, qué ocurrió con el planeta, “qué eres, Vincent law”-(lo más repetido por episodio, ya era hora de que contestara) qué es Re-L, qué es el “latido original” que enloquece particularmente a los proxy, qué son los humanos de la Cúpula, qué son los Proxys, cuántos eran y a qué dedican el tiempo libre. El veredicto final del público parece que oscila entre apresurado, demasiado ambiguo, o-¿Dónde dejé el bloc de notas, que me he perdío”- Comparto la opiníon, con reservas ante la frase final, la más genial, en su contundente sencillez, escuchada en mucho tiempo.
Ahí tenemos, ni más ni menos, un anime centrado en desentrañar el misterio de lo que constituye la humanidad, la identidad , el ser y la duda, el libre albedrío si somos lo que comemos o lo que recordamos, la importancia de la experiencia-Pino, Vincent Y Re-L tienen que “ganarse los galones” de persona con su odisea a alguna parte- la soledad del dios, si es peor la ausencia de un creador o tener un creador falible y roto.
Y la que te montaré, morena.

Puede que las pretensiones de Ergo Proxy-tan evidentes como llamar a sus capítulos “meditaciones” o que se necesite media Espasa para dar con todos los homenajes y refrencias que cuelan a lo tonto-autoreivs con nombres de filósofos, mitología, pintores Pre-rafaelitas, hasta un Proxy que se parece a Walt Disney….sean el resultado de la total libertad creativa que parecen haber tenido los creadores de este anime, y pueda uno preguntarse si para empatizar con el viaje de Vincent se necesitaban tantas alforjas y monólogos. Aunque es todo un lujo que la serie se permita cambiar de tono cuando convenga, o incluso “perder” un episodio completo rehumanizando a la inaccesible Re-L-, a punto de volverse majara al tener que pasar demasiados días encerrada en la nave con Vincent y Pino, y sin auto-reiv no infectado a mano. Lo que no se puede negar es que estilísticamente la serie es de pasmarse-entre el cuidado en las expresiones de los personajes, los toques digitales y esos fondos increíbles, casi todos en neón o en tonos ocre por cuestiones medioambientales. Y si uno llega a sentir penita de un autoreiv sin rostro que merezca el nombre, como Iggy, es que la cosa funciona. Incluso sin enterarse de la misa la media.

Baoyu y Daiyu, creciendo juntitos en Sueño en el Pabellón Rojo

Por efecto de los bochornos y migrañas caniculares, y a fin de demostrar mi existencia incorpórea, espero que se me permita ponerme clasicona y recomendar el par de tochos y tomos monolíticos que me han tenido ocupada todo el verano. Uno es japonés, el otro chino, ambos son monumentos adorados de sus respectivas literaturas y tiene más en común, a pesar de los más de setecientos años que se llevan el uno del otro, de lo que-por esto del choque cultural- me había dado cuenta en una primera lectura. Se trata de La novela de Genji (siglo XI) de la dama Murasaki Shikibu, y Sueño en el pabellón rojo, obra del erudito Cao Xueqin (siglo XVIII). Su punto de contacto es la descripción de un más que cerrado, opresivo y claustrofóbico mundo de mujeres, enjauladas como jilguerillos cantores en pagodas de oro…y del impacto que causan en unos muy excéntricos y sensibles protagonistas masculinos empeñados en su asalto: Hikaru Genji, el Príncipe Resplandeciente y Jia Baoyu, el Jade Precioso de un poderoso clan de mandarines.

Se me preguntará qué puede tener de entretenido soportar un total de cuatro tomazos, a dos por título, de los de llevar en carretilla o al menos utilizables para echar bíceps en manejos gimnásticos. Mi respuesta: precisamente lo regocijante del choque cultural. Obras tan separadas en espacio y tiempo de una lectora occidental más o menos contemporánea, aunque tecnófoba, acaban convirtiendo la aproximación a estos clásicos un buen ejercicio de turismo literario….por no decir inmersión en plancha en el género fantástico. Así de marcianas se nos aparecen las sociedades que parieron estas novelas. ¿La ventaja extra?-aunque parezca mentira, toparse con una literatura que es, nada más y nada menos, y por muy herético que suene, el antepasado centenario del género shojo.-es decir, “un millón de lágrimas”

La novela de Genji, por orden de rigurosa antigüedad, ha conseguido cuidadísimas ediciones españolas a cargo de Destino y Austral o Círculo de lectores, por ejemplo, que recogen la titánica reconstrucción de Xavier Roca-Ferrer, macerada a partir de un buen montón de traducciones directas europeas de la obra-lo que permite ganar en inmediatez del tono y lenguaje lo que se pierde en arqueologismos literarios. El Genji es toda una rareza. Escrito, según todos los datos, por una mujer de la corte imperial apodada “la señora Murasaki”, durante la época en la cual por los andurriales europeos estábamos como estábamos-insertemos cualquier gag de los Monty Python en los caballeros de la mesa Cuadrada para hacernos a la idea- el Genji describe un mundo cortesano tan increíblemente snob, culto y refinado que en Europa sólo tuvo su igual, probablemente, en la Francia del del Rey Sol, cuando reputaciones enteras reposaban en un bon mot lanzado en el momento oportuno entre encajes y pelucones.
El de Doña Murasaki es un Japón arcaico, un mundo-tal que la Francia pre-revolucionaria- condenado a la desaparición. Una pequeña burbuja freixenet de exquisitez palaciega y urbana localizada en Heian-Kyo, o Kyoto, capital imperial, rodeada de una sociedad rural y guerrera que terminaría engullendo la edad de oro en la que vivió la autora para terminar en el cambio de capitalidad, el shogunado, la épica guerrera y el Japón más arquetípico de gheisas, samuráis y demás panoplias de película de Kurosawa.
Y no hay nada menos aguerrido y samurái que un cortesano “fashion”, perfumado, danzarín músico y poeta de esta época. Con el protagonista de la novela que nos ocupa, el príncipe Genji como muestra definitiva.

Cómete tu corazón, Edward Cullen-el resplandeciente Genji brillando en la sección imperial de coros y danzas Y con mil años de adelanto.

Efectivamente, el héroe de Murasaki es, ante todo, el tatarabuelo de los múltiples bishonen o bellos jovencitos que siglos más tarde pulularían en los manga para chicas. De ahí su apodo, Hikaru Genji, “el príncipe resplandeciente”, con el que se le nombra en la novela. Hijo de un emperador, pero con el acceso directo al trono imposibilitado debido a no tener una madre de familia lo suficientemente importante e influyente (la pobrecilla muere muy pronto , amargada por las interminables intrigas cortesanas)- el principito huerfano es de una hermosura y talento tales que se convierte en el favorito de su padre, el cual-aquí comienza el drama-persiste en tenerlo constantemente a su lado. Genji tiene así acceso, mientras es niño, al mundo prohibido de las esposas imperiales.Estamos hablando de una sociedad aristocrática en la que la separación por sexos es tan radical que incluso los hermanos crecidos suelen ver a sus hermanas sólo a través de puertas entornadas, biombos transportables, persianas de gasa o abanicos más o menos estratégicos. Una sociedad en la que esas mujeres invisibles estaban permanentemente envueltas en hasta doce capas de ropa y en la que el varón daba más importancia a la caligrafía y a las dotes musicales de las bellas que a cualquier asomo de encanto corporal, a excepción del cabello-de modo que un galán podía pasarse años enamorado de una cartita, o una simple voz tras la correspondiente pantalla de papel. Cuando el emperador toma una nueva consorte, Fujitsubo, sospechosamente idéntica a la difunta madre de Genji, nuestro futuro don Juan japonés, una vez mayorcito y separado del gineceo imperial, se obsesiona de tal manera con encontrar duplicados de la borrosa imágen de su difunta madre que se pasa el resto de su azarosa existencia “resplandeciendo” de un lado a otro, empeñado en la búsqueda de, por así decirlo, el Bello Ideal. En un extraño juego de espejos que haría las delicias de cualquier psicólogo, nuestro héroe “es casado” siendo un crío por apaño ministerial pero, tras seducir fugazmente a la madrastra Fujitsubo que tanto recordaba a su madre-(pecado oculto que purgará el resto de la novela)- el adolescente Genji se hace con la tutela de una niña de diez años, la incomparable Murasaki, sobrina y viva imágen de esa madrastra que le tiene sorbido el seso, y la educa para convertirla en la consorte perfecta y mujer ideal una vez la criatura llega a los quince. Y ríase usted de la Gigi de Colette.

¿Auto-inserción de la autora del mismo nombre o primera Lolita de la literatura japonesa? La Niña de Lavanda, cultivada e irónica, auténtica mujer de la vida de Genji no va a ser, ni muchísimo menos, el final de la carrera del inquieto pendón imperial. Que llegará incluso , jocosamente, ya cincuentón y para rizar el rizo, a ser casado oficialmente- otra vez- por hacer un favor a un medio-hermano que sí ocupó el trono, con la Tercera Princesa, otra pariente de Fujistsubo y Murasaki por la cual, paradójicamente, esta vez será incapaz de sentir el menor interés. El asunto es tanto más embarazoso por cuanto que nuestro héroe es capaz de apasionarse prácticamente por todo aquello que lleve un Uchiki. Y es que este irresistible Genji, de belleza sobrehumana, esteta árbitro de la elegancia, dandy, calígrafo, poeta, bailarín, músico y político extraordinnaire, es el primer “gary stu” de la literatura japonesa. La señá Murasaki no pierde ocasión de narrar todos y cada uno de sus disparates, pero ella misma cae bajo el hechizo de su irresistible personaje y es solo cuando toca narrar las desventuras de sus descendientes -en los maravillosos capítulos de Uji-cuando, contemplando a sus despistados nietos y sobrino-nietos, nos damos cuenta de que con Genji rompió el molde y el karma es inevitable. Genji tiene la habilidad de optar por el auxilio espiritual al comprenderlo-su descendencia anda mucho más desorientada. La decadente burbuja cortesana en la que viven está a punto de estallar y el crisantemo está a punto de ser sustituido por la espada. La saga de los Heike, el siguiente mega clásico medieval japonés, que narra la llegada de los Minamoto al poder, ya es tan repetitivamente sangrienta-y masculina- como cualquier épica medieval europea.

En cuanto a Sueño en el Pabellón Rojo

o Memorias de una roca editado por Galaxia Gutenberg esta vez sí en traducción directa, describe otro país, China, y una época mucho más tardía, el siglo XVIII. Y a pesar de todo, la alta sociedad que refleja es igual de inmovilista y decadente. Tan presente es el tema de la corrupción general que el apellido de la gran familia ducal que protagoniza el asunto, los Jia, podría, al parecer, ser homófono de falso, bisutería o baratija. Los Jia viven en un ambiente tan autosuficiente-dos familias extensas y cientos de criados, administradores, nodrizas, concubinas, damas de compañía, lacayos, troupes teatrales a sueldo, religiosas, cocineros y porteros en sendos palacios-como impostado. Incluso contando con propiedades tan numerosas como sus redes clientelares, resulta evidente que con semejante follón y trasiego de gente, la familia vive por encima de sus posibilidades. Allí hacen nacer los hados madrinos budistas y taoistas, con un pedacito de jade en la boca, a nuestro protagonista, Baoyu, Jade Precioso, apodado cariñosamente el Pequeño Señor,o Pequeño antepasado, por las doncellas de la casa. Un espíritu inquieto tan despreciado por su padre a causa de sus extravagancias como idolatrado por su madre y su abuela viuda, la Anciana Dama, que tiene autoridad suprema sobre amos y criados e insiste en no separarlo de su lado, allá en el ala femenina de la casa. Como en el caso de Genji, a resultas de esto el pequeño Bao está desubicado. Cuando los Jia llegan al colmo de su buena fortuna colocando a una de sus hijas como consorte imperial, se decide que el resto de las chicas de la casa, entre hermanastras, primas y demás parientes, instale sus apartamentos y se eduque en un lujoso parque, el Jardín de la vista Sublime. Y creciendo junto a ellas, Baoyu, tan contento en su paraíso artificial especialmente cuando se le llena de lindas y sabias primas como su alma gemela, la enfermiza y susceptible traviatita Daiyu y la futura nuera perfecta, la formalita y modélica pero glacial Baochai.

oh-oh
Por supuesto, tanto China como en Europa, en el siglo XVIII el concepto del matrimonio por amor era una ñoñada y una sentimentalidad burguesa que estaba por imponerse o ser habitual en las grandes casas, con lo cual una situación irregular o anfibia como la de Baoyu es toda una llamada al desastre en cuanto la pubertad acecha. Ni el joven Werther va a pasarlas peor que el pobre Bao, emnpeñado despreciar los honores oficiales, en afirmar que las muchachas son agua clara y los hombres fango….y en continuar la espontaneidad juvenil muy siglo XX-XXI y para escándalo general, en uno de los entornos más ritualizados del universo, la China imperial, un lugar en el que que las chicas de familia no pisan la calle ni para ir de ópera, ningún varón ajeno al clan puede verlas y el médico de turno hace consultas por adivinación, tomando el pulso a la enferma con la cortina echada.
Este es el punto de contacto entre el Genji y el Pabellón Rojo-con la excusa de una fábula moral budista sobre lo que tanto en occidente como en oriente llamaríamos vanitad de vanidades, todo es vanidad, en las cuales los héroes alcanzan la iluminación tras innumerables desastres sentimentales y familiares, lo que Murasaki y Xueqin denuncian, cada uno a su manera, es el estatus altamente volátil de “las de dentro”, las mujeres como animalitos domésticos en sociedades patriarcales-polígamas ante el varón todopoderoso que entra y sale, donde la distinción entre consorte, esposa principal, concubina o simple entretenimiento era peligrosamente borrosa. Nada mejor que unas avemarías o sutras sabiamente colocados para levantar un delicado dedo ante la tradición, ante casos como los de la pequeña Murasaki, o la Ukifune llevada de un lado a otro en los capítulos finales del Genji, o de las pobres Daiyu y compañía-por no hablar de las siervas domésticas, lo mismo pero en peor,- en el Pabellón rojo.Tanto en el caso del Genji, por razones obvias al ser mujer el autor, como en el Pabellón-por razones revolucionarias para su época al hablar “de dentro”, lo que explicó su popularidad inmediata, su fuerte es el frondoso ramillete de siempre dolientes, intrigantes o ambas cosas a la vez, personajes femeninos, desplegados ante el enamoradizo y atolondrado protagonista de turno.

Conviene recordar este pequeño espíritu de subversión encerrado como en cajitas chinas y perfume de sándalo dentro de sociedades por definición tan estáticas, dedicadas a ver caer la flor del cerezo o admirar la del ciruelo-o al revés?- a contemplar la luz de la luna llena o a eternos concursos de poesía, antes de desear dar un par de amorosos guantazos a los tales atolondrados protagonistas de turno. Por ponerlo de alguna manera.

Resultado: Prisas, corre corre que te pilla el toro, incluso un pequeño parón-por aquello de no dejar colgado a Edward Elric en plena faena final, supongo, y una sensación abrupta, como de “¡ A la porra, esto me lo acabo aunque sea en tomo doble!”. Y efectivamente, lo acabó. Pero….

A cualquier lector de Fullmetal alchemist, (o espectador de FMA- Broherhood, la segunda serie anime), le queda claro que a Arakawa-sensei la China le fascina cosa fina. No hay más que contar la cantidad de personajes “xingueses” del lejano imperio que se adueñaron del manga-osito panda en miniatura y todo-en cuanto el tebeo comenzó a diferenciarse del anime original. Si, como se informa, la autora había planeado la historia antes incluso de homenajear a la Europa de entre-guerras, piedras filosofales, homúnculos y las películas de la Universal con Fullmetal Alchemist. ..Si tras Fullmetal casi todo quisque se había quedado con las ganas de hacer una visitilla al imperio originario de Ling Yao, Mei, Lan-fan y demás…entonces Hero tales es la elección correcta del intrépido lector. Hiromu se fue a la China, en esta ocasión llamada el Imperio de Ken. El joven Taito Shirei , que vive tan feliz en su aldea con su hermanita Raira, y su popó, lidera una facción de revoltosos llamada “El dragón azur”-(sin guiños al Toriyama?) y no puede ver al corrupto imperio ni a sus oficiales, los “Lobos Oscuros”, ni en pintura al temple.
Un buen día, poco después de sufrir-o celebrar como quien dice-la “ceremonia -estacazo en combate singular”de su mayoría de edad -(mayoría de edad shonen, se entiende), Taito recibe del sabio-vejete salidillo de turno típico del género la mítica espada kenkaranbu, que sólo puede desenvainar “un verdadero héroe”.(-nunca nos lo hubiéramos imaginado.). Taito fracasa estrpitosamente, pero pronto descubrimos que el mozuelo tiene más que potencial.Un malvadoso roba la espada informando antes a Taito que así como “Hay siete astros en el cielo, una para uno de los héroes celestiales (O caballeros del zodíaco, o Sailor Moones, como quien dice) , pero dos son las estrellas funestas que gobiernan la tierra, antagónicas como el ying y el yang, Hagun y Tonro”. Adivinad quién es la rencarnación de Hagun-que nunca debe coincidir con la reencarnación de Tonro. por colisión de egos, o por esto de sumir al mundo en el caos. Sí, él.

Taito, Raira, y otro joven guerrero portador de estrella de la suerte, Ryuko, parten a recuperar la espada, salvar el imperio, y enfrentarse a las fuerzas del mal,encarnadas en el líder de los lobos negros, el shogun Keiro-portador de, cómo no, la marca de la estrella Tonro, apoyado por su agente portador del caos, Shinrei.
¿El resultado? Fantástico dibujo y ambientación “kenesa” y un ritmo tan frenético que apenas da tiempo a conocer a fondo siquiera al resto de los guerreros celestiales, demasiados personajes apenas esbozados para tan pocos tomos y la sensación de estar ante lo que podía ser un condensado de Fullmetal sin el lujazo de la complejidad de su trama, o los dieciocho tomos de preparación y desarrollo previos al movidón imparable que fue Fullmetal alchemist a partir del tomo 20.
En un combate cuerpo a cuerpo, resulta desencarcaejante comprobar cómo la posterior Hero tales resulta casi el esbozo versión “espada y wuxiería” del fullmetal-aperitivo, o anexo, a elegir.¿Debería haber aparecido antes? Qui lo sa, pero es divertidísimo comprobar temas recurrentes-tanto del género shonen como de la propia Arakawa- entre diseños de personajes y escenas calcaditas. Por ejemplo, y que me siga tan sólo el bravo que no tema spoilers:
1-Edward Elric versus Taito Shirei
¿El Alquimista de acero o el enésimo príncipe escondido de la épica fantástica?
Ambos son típicos héroes shonen del género kabutoide-vena rebelde, no inocentona a la Goku o Luffy. Ambos son impulsivos,agresivos, chulos maleducados y cabezotas, víctimas de una tsundere que les sacude a base de bien y decidiso a proteger a todo el mundo. Pero, mientras Ed tiene características propias- conocimientos químicos y alquímicos, un toque de Victor Frankestein obsesionado por resucitar a su madre, y una búsqueda personal y pecados que purgar, recuperar el cuerpo de su hermano perdido a causa de romper el último Tabú alquímico, complejo de Napoleón a causa de su corta estatura, afanes de estrella folklórica y odio a la leche-además de mala leche genuina y auténtica…Taito es genérico a más no poder y simple como un zurcido. “Edo” se lleva la palma.
2-LOS INOCENTES
Una de las viñetas más desoladoras de Fullmetal fue el breve flashback (“tengo una hija de tu misma edad”) que los padres de la chica de la película, Winry Rockbell dedican a la niña que han dejado en casa cuando están a punto de comvertirla en huerfanita de guerra. El gesto protector de mini-Ed lo dice todo.Ya eres de la familia, nena . La fijación arakawiana por hacer de la chica de la historia la hermana, en todos los sentidos menos el carnal, del protagonista…

Se repite en mini Taito dando manita protectora a mini-Raira, que acaba de perder a su mamá a causa indirecta de los soldados imperiales. Extraña la costumbre de doña Hiromu en el paso casi “natural” de la relación fraterna a la más o menos romántica.¿ Será para hacer más espontáneo el inevitable tsunderismo de las mocinas respectivas-la confianza da asco-o por un intento de alcanzar los eternos lazos fraternales masculinos del shonen?
3-MEA CULPA, MEA CULPA

o-Ay la leche, qué hemos hecho!-Una obsesión particular arakawiana es la idea de que el infierno está lleno de buenas intenciones y la redención tiene que ganarse a pulso, pero nunca por la vía corta del abandono…aunque en el caso de Roy Mustang y Riza Hawkeye, participantes en la limpieza étnica de Ishval como Alquimista de Fuego y tiradora de élite, la idea de redención final sea una especie de pacto de suicidio asistido y postergado a la reforma total del país que los utilizó como máquinas de guerra.Con el agravante, para la pobre Riza, de que fue ella quien confió los secretos alquímicos de su padre al discípulo talentoso e idealista. La escena de la vapuleada ex-inocente pidiendo al alquimista a quien ha “dado a luz” -sus palabras-que le queme la fórmula tatuada en su espalda es de lo más intenso que he leído en cualquier soporte.

Ryuko ha creído seguir su conciencia y ha hecho cosas, digamos, mu malas. Su chica -discípula del padre adoptivo de Ryuko (Arakawa!) le frota la vapuleda espalda-otra obsesión- y le anima a dar la cara como un hombre y tirar palante. Pero ay, Ryuko sigue el diseño y funciones del fogoso Roy, pero-a excepción de su nulo sentido de la orientación- tiene una personalidad tan sosita y modosita como un Roy sin diez años extra de savoir faire….Como Mustang, es el “rival” del protagonista pero a diferencia de Mustang,no comparte con el prota su personalidad expansiva-explosiva. de modo que sólo tenemos que aguantar su parte “emotécnica”. Ay. Ay. En cuanto a la chica, Sennrei, es portadora de estrella y podría ser una típica “Mujer terrible en la ira” del shonen, o una ex-virgen juramentada .Pero Hiromu opta por embarazarla-un gran eeeew en el género- y apartarla de la escena. No es de extrañar que Mustang y Hawkeye permanezcan fanáticamente…célibes, porque ganan por goooleada.

4-LOS BIGOTES DE LA IRA
El generalísimo Bradley, definitivamente no está impresionado con los derivados.

El shogun Keiro también tiene un bigote, y no le da miedo usarlo

¿El King Bradley de Fullmetal, o el señor de la guerra de Hero tales? Ambos representan la cólera dura y pura en sus mundos respectivos, pero mientras el fuhrer Bradley es la furia helada y amenazante de quien es, a fin y al cabo, alguien que se considera superior a la humanidad por mero hecho científico , Keiro es humano, con estrella mágica del destino y todo. Su intrahistoria acaba convirtiéndole, al fin y al cabo, en un Sasuke enrabierado más, con veinte años acumulados de rencor. Keiro es, a fin de cuentas, incluso más poderoso físicamente que su homólogo alchemistiano, pero nada supera el escalofrío que produce ver al generalísimo Bradley preguntando a los ishvalianos al borde de la aniquilación por qué su dios no le golpea y castiga, o simplemente murmurando-”Me exaspera”. Incluso la extraña parodia de vida familiar de Bradley da miedo pero de verdad.

5-ESA COSA LLAMADA DERE DERE

En algún momento de la historia, incluso a los más refractarios héroes y tsunderes shonen les tiene que atacar las hormonas y pubertades, y Arakawa es una maestra en aquello de presentar el asunto de la manera menos dramática posible-lo cual, en el caso del infeliz Ed, no significa que vaya a ser menos dolorosa, cuando se tiene a una amiguita de infancia con una palanqueta siempre a mano.
Ed debería haber pensado algo mejor que refugiarse de los villanos en el cuarto de Winry sin aviso previo y pensando que no había nadie en casa. Cosa más curiosa, ¿Winry se ha hecho mayorcita?

Raira busca un cumplidito de quien hasta hace poco, creía su hermano mayor. Ni todas las escenitas entre Luke y Leia son retrospectivamente, tan grimosillas. Ni con intento de humor añadido para salvar la situación.

6-NII-SAN!
Al héroe de shonen bocazas vamos a colocarle un considerado y dulce hermano pequeño. Hero tales también tiene un Alphonse Elric? Pues algo así. El gentil Al tiene una personalidad completa aunque durante casi toda la historia el pobrín sea una mera vocecita y su espíritu esté alojado en una armadura

Y nada hay tan irresitible como dos chibis Elric en flashback por el precio de uno. ¿Quién puede decir dice no a esas caritas tan empecinadas?.

Mientras el empeño de Edward por recuperar el cuerpo de su hermano es la base y el alma de Fullmetal Alchemist, la relación de Taito con el novato emperador Tai queda en mero esbozo. Clave, pero en esqueleto, porque el emperadorcito tiene su propia evolución y rito de paso, pero en sordina. Y nunca llega a crear con Taito el vínculo indestructible existente entre Edward y Alphonse Elric. Eso sí, ambos deben liberarse del síndrome “el otro hermano Elric” encontrar su lugar sin la sombra e influencia del volcánico hermano mayor.
Podríamos segur páginas y páginas-tenemos desde el cachas bondadoso al malvado solapado que la arma por el mero placer de enredar, la malvada voluptuosa o hasta el ojo homunculoso del mal . Pero, me temo que Fullmetal, la serie más elaborada y en la que Arakawa se empleó con verdaderas ganas y personalmente, siempre se va a llevar los laureles. El caso es que esto no implica que Hero tales no sea completamente disfrutable dentro de sus limitaciones-o no estaría la autora al frente del proyecto y no se notaría su cariño por la mitología china. Y resulta una mina de oro para detectar convenciones del género shonen. Pero, la verdadera evolución de Hiromu Arakawa debe de encontrarse en su siguiente proyecto, Silver Spoon. Si como parece por las promos, se trata de otra variante del género, como es el de las aventurillas en la escuela secundaria, y además en Hokkaido, está claro que doña Hiromu está cambiando de registro.Todo sea porque llegue a España.

Baviera, verano de hace muuuuchos años-concretamente 1987. Turista española veraneando de camping en lugar adverso se refugia de nubarro persistente en un supermercado de camino a los castillos del rey Ludwig el chalado. La turista accidental,tierna pero ya friki hecha y derecha, y empedernida lectora, además de toda una troupe de superhéroes Marvel, de Peyo (sí, el de los Pitufos) y más especialmente de las aventuras de sus personajes Johann y Pirluit, localiza un tipo de álbum y dibujo que cree inconfundibles, abre el libro y zas, en lugar de a Johan y a su escudero faltón se encuentra las cinco viñetas sin diálogo más épicas jamás dibujadas-con permiso de Asterix y Cleopatra. Un mozo de melenas color fuego, bajo una lluvia torrencial está apartándose del castillo siniestro de rigor, vuélvese hacia su corcel al oir terremostático retumbe de monturas y, a todo galope y, tizona flamígera en ristre…se lanza contra tropecientos mil jinetes- siniestros, of course-(y con barbas verdes)-en toma panorámica. Definitivamente, aquello no eran los pitufos.

Sus y a ellos-Percevan entrando en materia y en la historia de la BD.

La criatura resultó se Percevanhija de Philippe Luguy, seudónimo de un veterano genio de la bande dessinée, y dibujante lento cual babosa geriátrica pero que siempre compensa (Lo que es más, a partir del tercer volumen de la serie, Luguy les quedó grande incluso a sus guionistas, Jean Leturgie y Xavier Fauche)
Allá por los tiempos del Naranjito comenzó el buen hombre a contar la vida y milagros de Percevan, caballero andarín perdido en misiones y mandatos interminables para su rey y señor en un mundo medievaloide de fantasía cada vez menos heróica y más pesadillesca. Percevan comenzó a lo Spirou y Fantasio, y con un estilo suave, redondito e infantilizado tan clavado al de Peyo que uno espera ver saltar a Papá Pitufo desde una seta cualquiera. A estas alturas, trece volúmenes de nada, Luguy se ha quedado con un solo guionista de los dos que tenía, pero su dibujo ha ido ganando en fluidez y dinamismo-o más bien nerviosismo, y en una atención al detalle espectacular absolutamente maniática (lo que explica las tardanzas en la aparición de los volúmenes); y ante todo, en una oscuridad y violencia que pondrán los pelos cual novia de Frankestein a cualquier progenitor desprevenido y de mi edad que ande nostálgico del país del Pitufín.

Los antecedentes: Johann y Pirluit, con o sin pitufos y flautas, fueron durante un tiempo mis sucesores naturales de Tintín cuando se me acabaron las aventuras del reportero del tupé.

Mi primer detalle divertido en una nserie juvenil: el valeroso caballero Percevan, rutinario honor y espejo de toda la orden, siempre dispuesto a cualquier fazaña , que tiene un orondo escudero-trovador graciosillo, fartón y cobardón-el insoportable bardo Kerwin y su mascotita monísima pero inclasificable, Gimli, y un amor más o menos imposible en la hechicera Balkis, hace su primera aparición ligando desaforadamente con la hija de noble (y su segunda, en el lecho de la ex doncella en cuestión y situación comprometida). El héroe no se priva y así sigue, de chozas a palacios como el Tenorio (aunque su debilidad son las hechiceras con segundas intenciones).

Percy se porta mal. Una especialidad de nuestro intrépido caballero: saltar cama en cama….quiero decir, reaccionar al instante donde le pille cualquier peligro-incluso en paños menores

Es decir, que a diferencia de otros muchos de su quinta tebeística, a Percy le van las faldas y tiene un buen historial. Al escudero Kerwin sólo le van las habas con tocino y su mascotita Gimly, así que mejor no meneallo. La hechicera Balkis, por su parte, puede constar como causa inocente del constante e inquieto pendoneo de nuestro galán pelirrojo. Están en un constante que ahora sí caigo, pero que no puedo, hala, a salvar el mundo Percy. Mareadito me lo tiene, especialmente desde que Luguy la ha desmelenado y, renunciando a sus oscuros ropones de maga, Balkis ha estrenado modelito sexy de espada y brujería y anda enseñando más escote, ombligo y pierna de lo que el fogoso Percevan está a costumbrado a catarle. Balkis también ha mandado a paseo su carácter frío y hierático y ha vuelto a entrar en zona gris y ambigua, como empezó (ella iba para poderosa bruja mala del montón, pero sucumbió al charme de Percevan en un par de viñetas), de modo que espero grandes cosas para cuando vuelva a encontarse con su caballero errante.

Ánimo Percy, que Balkis lleva varios metros de tela menos según avanza la serie

Lo que nos lleva de vuelta a la progresiva oscuridad, violencia y creciente pesimismo de esta serie, reeditada en España por Norma, aunque . Que comenzó con aventuras más o menos arquetípicas, con villano recurrente que para su desgracia, no sólo tenía ayudante torpón, sino que terminaba él mismo como involuntario alivio cómico…y hacia la mitad de la serie el asunto pasó de siniestro total-”Los señores del infierno”, “El arcano negro” directamente al fin del mundo, o casi-”"Los sellos del apocalípsis”. “El Séptimo sello”-los títulos lo dicen todo. El mismo Percy, héroe de ánimo inquebrantable y sentido del humor juvenil a toda prueba, ha sido muerto y resucitado, esclavizado, poseído por fuerzas místicas, desterrado del reino y tratado a patadas por su Rey y señor. Incluso un Gary Stu risueño como él está empezando a sonar más resignado que optimista y en su última misión, que lo ha llevado directamente a, como no podía ser menos, “Las tierras sin retorno” (la mismísima China misteriosa), dejando por el momento destrucciones finales y armagedones por etapas, Percevan comenta “Aquí o en nuestro país, los poderosos son lo mismo”. Lo que se demuestra con creces en la historieta subsiguiente, con un número de traiciones y contra-golpes que dejaría llorando de emoción al mismísimo George RR Martin.

Incluyendo, por cierto, a la princesita de turno (que Percevan debe escoltar para casarla con el rey) y su fiel sirvienta, un buen par de flores de loto que amenazan con animar el panteón de chicas peligrosas que encabezaban Balkis y su hermana rubia. Luguy es desesperantemente lento-por minucioso-y pasan años y años entre album y album, de modo que puedo jubilarme cuando aparezca un nuevo tomo, pero me da en la naríz que tanto él como sus guionistas están planenado aparcar al héroe cornelliano y convertir a un Percevan cada vez más desencantado y desenraizado en un agente libre. Con un poco de suerte, quizás Balkis se decida a corromperlo de una vez. Y a librarlo de Kerwin, si hay suerte-que no la habrá, y Percevan acabará salvando el mundo, otra vez, para que nadie se lo agradezca, para variar.
C´est la vie.